Blues Comentado

John Jackson - Don´t let your deal go down

2011-05-23T22:14:00.008+01:00

ola de nuevo. Ha pasado algún tiempo desde mi última entrada; he estado en otros menesteres...

Hoy me ha apetecido comentar una grabación que pertenece a mi colección desde hace poco tiempo. Se trata de un CD del sello Arhoolie en el que se recogen 26 temas del gran artista John Jackson grabados entre los años 1965 y 1969. El título es "Don´t let your deal go down" y se puede entender como una recopilación de las obras más destacadas del artista.
John Jackson nació en Virginia, E.E.U.U. en el año 1924 en el seno de una familia de músicos y gracias a esto aprendió a tocar la guitarra desde temprana edad. Jackson es otro de los numerosos ejemplos de artistas que permanecieron casi toda su vida en el anonimato hasta su "descubrimiento" por algún "folklorista" de los que tanto he hablado en este blog. El caso de John Jackson fué similar al de Mississippi John Hurt (por ejemplo): permaneció gran parte de su vida trabajando de enterrador hasta que el profesor e historiador Charles L. Perdue lo "descubrió" durante el "folk-blues revival" de los años 60. A partir de ahí grabó sus primeros trabajos e incluso llegó a viajar a Europa donde participó en algunos festivales de Folk-Blues. Murió en el año 2002.

Don´t let your deal go down es un estupendo y completo álbum en el que John Jackson tiene la oportunidad de demostrar toda su valía como artista. Los 26 temas son interpretados integramente por él, cantando y tocando la guitarra acústica (además de el banjo de 4 cuerdas en un tema) sin ningún acompañante, artificio o "disimulo". El estilo se puede clasificar dentro del Piedmont Blues, aunque no puedo evitar la comparación al estilo "blues-crooner" o "songster" del guitarrista de Texas, Mance Lipscomb.

Su voz melodiosa, su manera fluida de tocar la guitarra y el amplio repertorio de canciones (incluyendo varios "clásicos" del piedmont-blues), hacen de este trabajo una pieza a tener en cuenta en colecciones serias de blues acústico.
Muy recomendable para "oídos curtidos"; los neófitos en el estilo pueden prescindir de él.

Les dejo con un vídeo y un tema incluído en el CD.

John Jackson - Don´t Let Your Deal Go Down

Reseña

2011-05-06T15:09:00.004+01:00

Hola.

Hace algún tiempo que no escribo por aquí básicamente por vagancia. Ahora ando metido en el "running" y alimentando mi otro blog pero sigo de cerca algunos sitios web relacionados con la música y con el blues en particular. Tal es el caso de Vandeblues, que en su último artículo relacionado con "el blues en la red", tuvo el detalle de nombrar a éste que escribe y a su humilde blog.

Desde aquí mi agradecimiento.

Espero "postear" algo en breve. Gracias por seguir ahí.

Salud!

Sam Mitchell - The Art Of Bottleneck/Slide Guitar

2011-02-07T23:28:00.009Z

ace tiempo, cuando descubrí el country-blues, me dediqué a comprar muchísimos Cd´s por medio de internet. Ante la imposibilidad de conseguirlos en la tienda de discos en la que trabajé durante mucho tiempo (ironías de la vida), no me quedó otro remedio que comprar "a ciegas", o mejor dicho "a sordas". En esos tiempos de descubrimientos, me convertí, musicalmente hablando, en una "esponja"; cambié totalmente mi estilo de tocar la guitarra, conocí muchos artistas de los que hasta aquel momento no había oído hablar ni de rebote, me sumergí de lleno en otro tipo de blues ("sólo" llevaba escuchado la variante eléctrica durante más de 15 años) y probablemente algo en mi interior también sufrió alguna transformación. Sin duda, estos cambios son de lo mejorcito que me ha pasado en la vida, siempre teniendo en cuenta que gran parte de la misma, ha tenido sentido gracias a la música.

Uno de los Cd´s de aquellos que me llegaban por correo proveniente de una tienda casi "anónima" en cualquier lugar remoto de Estados Unidos fue "The Art Of Bottleneck/Slide Guitar" de Sam Mitchell. Este disco tiene la capacidad de retrotraerme a aquellos días que menciono en las primeras líneas.

Sam Mitchell nació en Liverpool el 21 de Abril de 1950. Su padre era un guitarrista profesional, miembro de la formación "Felix Mendelssohn and his Hawaiian Serenaders". Supongo que "de casta le viene al galgo"... Empezó su carrera en 1966 tocando en algunos clubes de su ciudad natal, así como en Brighton y posteriormente en Londres, donde fue "descubierto" por Rod Stewart y Long John Baldry. Su estilo tocando la guitarra llegó por fin a la audiencia internacional al aparecer en los discos "Gasoline Alley" (1970) y “Every Picture Tells A Story” (1971) del ínclito Rod Stewart

Durante los primeros años de la década de los ochenta, Sam Mitchell realizó numerosas actuaciones en Londres con su banda (John Conroy -guitarra solista-, Micky Waller -ex-baterista de Jeff Beck y Rod Stewart- y Bill Blair -ex-bajista de Fleetwood Mac-. A la vez colaboraba y mantenía contactos con muchos artistas presentes en la escena del Folk-Blues Revival inglés como Alexis Korner, Stefan Grossman o Bert Jansch.
A mediados de esa década grabó un trabajo con los músicos daneses Jens Elbøl y Bjørn Uglebjerg y posteriormente formó parte de "The Sandmen", quinteto formado por Allan Vegenfeldt (voc), Stefan Jensen (gt), Sam Mitchell (gt), Ole Wennike (bj) y Michael Rasmussen (bt).
Hizo otras colaboraciones notables con Dana Gillespie, Charlie Musselwhite o con el propio Long John Baldry.

Sam Mitchell volvió a trasladar su residencia a Liverpool donde murió en el año 2006 a la edad de 56 años víctima de una obstrucción pulmonar crónica (enfisema). Aparte de sus familiares, el único presente en su entierro fue su gran amigo John Conroy...

The Art Of Bottleneck/Slide Guitar es un disco recopilatorio lanzado originariamente por el sello Kicking Mule en el año 1976. Después de algunas reediciones en vinilo, salió en 1991 en Cd editado por el sello Shanachie. Consta de 24 temas en su mayoría acústicos en los que Sam Mitchell demuestra su absoluta versatilidad con el Slide. Usa infinidad de afinaciones alternativas dotando a los temas de sonoridades bien diferentes. Aires de blues acústico y eléctrico combinados con temas hawaianos (de clara influencia paterna) se combinan perfectamente para elevar esta grabación a la categoría de genial. La guitarra resonadora está presente en casi todos los temas (una National de 1935) y Sam Mitchell hace con ella auténticas diabluras. Sólo resta decir que la mayoría de los temas son instrumentales y en los que la voz de Sam entra a formar parte, no desentonan para nada con el resto.

Está casi todo dicho; disco exquisito, técnica inmejorable y sonido maravilloso. Perfecto.

En lugar de "subir" un tema para su audición, coloco un vídeo de la época de Sam Mitchell en "The Sandmen". En él, interpreta un ragtime de lo más sencillo pero con un gusto absoluto.
Para los que quieran oír su Slide, compren el Cd (o búsquenlo por ahí...)

Offtopic (a medias)

2011-02-07T00:59:00.005Z

in ser uno de mis preferidos, al "César lo que es del César": Consiguió que mucha gente se acercara al blues. Hablo de Gary Moore.

Ahora que murió, tanto sus seguidores como sus detractores no pararán de decir estupideces a mansalva...lo de siempre.

Justo en este momento, cuando los bastoncillos para los oídos de la cabecera de mi blog cobran todo su simbolismo, dedico este vídeo para los que comentan por ahí que Gary Moore "no tenía el Blues" (al fin y al cabo ¿...Quién lo tuvo después de 1940...?) o que "tocaba sin feeling" (LOL).

En fin...

Blues & Jazz Obscurities (1923-1931)

2011-02-01T18:13:00.014Z

a pasado algún tiempo desde mi último post pero he permanecido tranquilo ya que como dije en mi "regreso", no iba a dejar que este blog volviera a ser una cruz insufrible. De manera que aquí estoy, cuando me apetece y tengo tiempo, comentando otra de las grabaciones que engrosan mi colección.

Esta vez he elegido un disco del sello Document, que según mi opinión es con diferencia la mejor casa discográfica en cuanto a "rescate" de viejas grabaciones. En su mayoría se ocupan de pre-war blues, ragtime, old-time y jazz primitivo y tanto el trabajo de recopilación y documentación como la publicación de temas sumidos en el más absoluto ostracismo son dignos de elogio.

El disco en concreto se titula Blues & Jazz Obscurities (1923-1931) y es un "variado" en el cual se incluye 25 temas que conforman la discografía completa de cinco artistas de los que pocos (en realidad debería decir ninguno) de ustedes ha oído hablar; evidentemente hasta que la grabación cayó en mis manos, yo tampoco sabía nada de ellos... En muchas ocasiones, dicha discografía consta de un número escaso de temas, bien porque se perdieron los originales (78s) o bien porque sencillamente, sólo grabaron esos pocos.

Con echar un vistazo al título nos podemos hacer una idea del tipo de músicos de los que hablo: artistas olvidados, relegados al anonimato (no al anonimato normal de la mayoría de los bluesmen antiguos, sino a la palabra anónimo en toda su dimensión), de poco éxito en el momento de la grabación y con poca repercusión directa en la música posterior (aunque esto siempre es relativo). Para que se hagan una idea, la búsqueda de documentación con la que poder aportar datos a este post, ha sido casi en vano, y les aseguro que tengo cierta experiencia en búsquedas complicadas en la red. Con este desolador panorama me he encontrado en diversas ocasiones, sobre todo en muchos volúmenes del sello Document similares a este del que hablamos aquí. Por lo tanto me limitaré a citar nombres, alguna fecha y algún título también.

Los cinco artistas son: Sammie Lewis & Mandy Randolph, Jenkins & Jenkins, Margaret Whitmire, Wiley & Wiley y William Walker. En realidad son más de cinco, pero esa es la manera en que están agrupados en el CD. Algunos son más "importantes" que otros, tal es el caso de Sammie Lewis & Mandy Randolph o el pianista Arnold "Doc" Wiley y su hermana Irene Wiley o su siguiente vocalista Margaret Whitmire (consultar enlaces en caso de interés). También cabe destacar a Hezekiah Jenkins, guitarrista que grabó varios temas en solitario y otros con su mujer (presumiblemente) Dorothy Jenkins y que se caracterizó por la composición de temas ciertamente comprometidos social y políticamente con la época que le tocó vivir.

Del resto de artistas, poco o nada...

Blues & Jazz Obscurities (1923-1931) es en resumen, un recopilatorio de poca importancia en la historia del blues, con grabaciones de pésima calidad (de sonido) y solamente recomendable a coleccionistas. No merece la pena la audición por los poco iniciados en el pre-war blues y resultará cansina y aburrida para el resto de los mortales. Aún así, les dejo con uno de los temas que más me agradan.

Hezekiah Jenkins - The Panic Is On

Offtopic

2011-01-20T20:10:00.009Z

n absoluto me considero un entendido en Música Clásica (nótese las mayúsculas, por favor), ni si quiera un simple "escuchante" regular, pero tengo que admitir que en lo que a períodos históricos musicales se refiere, siento una especial debilidad por el Barroco o "época del bajo continuo", y en especial por los cuartetos de cuerda y las piezas para clavecín.
Cuento con algunas grabaciones en mi colección a las que suelo recurrir cuando el cuerpo me lo pide y he de reconocer que al poco tiempo de empezar la audición siempre me invade el mismo pensamiento: "Toda la Música está hecha" (de nuevo, nótese la mayúscula). Ironías aparte, estas pequeñas disertaciones son sólo un pretexto para desnudarme un poco ante ustedes y para vestir el offtopic de hoy.

Que lo disfruten.

Jean-Philippe Rameau: "Premier Concert: Le Vezinet"

Varios - Jake Leg Blues

2011-01-14T18:23:00.014Z

ebuscando entre mis grabaciones, encontré esta recopilación de blues llamada "Jake Leg Blues". La portada llamó mi atención y hurgando un poco en la "web", encontré cierta información que me gustaría compartir con ustedes:

Lo que comunmente se conoce como "Ley Seca", fue una época en la historia de los Estados Unidos durante la cual se prohibió la venta, la fabricación, el transporte, la tenencia y el consumo de alcohol.

Sin querer pronunciarme mucho sobre semejante aberración, de inteligentes es saber que por mucho que se impongan prohibiciones a una sociedad con el objetivo de erradicar algo tan intrínsecamente unido al ser humano como las drogas, no sólo no se consigue el utópico objetivo, sino que se potencia el nacimiento y el enriquecimiento de mafias (muchas veces surgidas desde los propios "prohibicionistas") que ejercerán el papel de suministradores, vendedores y controladores con las obvias consecuencias por todos sabidas. Símplemente hay que echar un vistazo a las sociedades occidentales para darnos cuenta que la lucha contra la droga es una lucha perdida, en la que se invierte muchísimo dinero público en "operaciones especiales", mejora de las fuerzas de orden público, programas de reinserción, etc. y que lejos de lograr parar lo que muchos llaman la "lacra" del siglo XX (y al paso que vamos, de los siglos venideros) se sigue pudiendo comerciar impunemente en cualquier esquina con cualquier sustancia de más que dudosa calidad. Curiosamente, son pocos los que se quejan de la poca efectividad de dicha "política prohibicionista" y de las ingentes cantidades de dinero que salen de las arcas públicas para el "noble fin" de la erradicación de las drogas. Hipocresía pura y dura. Lamentable, penoso, vergonzoso y de poco sentido común. Bueno, mejor voy a dejar mis opiniones personales para otra ocasión, o mejor aún, para otro blog, porque como siga puede que no acabe en dos o tres semanas...

Volviéndo al tema inicial de la famosa "Ley Seca", quien más o quien menos habrá visto alguna película de gansters en la que se muestra perfectamente las consecuencias de la prohibición; una de éstas es la proliferación de elixires o tónicos revitalizantes que se comerciaban legalmente (muchos de ellos en farmacias) y cuyo principal contenido no era otro que alcohol "disfrazado" de hierbas medicinales, extractos altamente refinados y ethanol. Uno de los más famosos en el primer cuarto del siglo XX fue el llamado "Jamaica ginger", más conocido por el nombre de "Jake". El producto en sí mismo no era dañino, pero los destiladores de alcohol (ilegal, por supuesto) adulteraban ese brebaje con múltiples elementos tales como el aceite de ricino (o castor oil), distintas melazas o el peor de todos: el Tricresil Fosfato (supongo que la traducción será algo similar). La masiva ingesta de este adulterante produjo una especie de epidemia en el sur y el medio-oeste de Estados Unidos que consistió en la pérdida de control muscular de extremidades, llegando a la parálisis o a la atrofia total de las mismas. Con el paso de los años, el número de afectados llegó a más de 50.000 personas. Como es sabido, la temática general de los bluesmen iba desde temas amorosos (correspondidos o no), penurias personales y/o grandes desastres naturales o sociales. Fue tal la envergadura de la epidemia, que muchos artistas del momento plasmaron en sus canciones lo ocurrido.

Y por fin, tras esta extensa y tal vez innecesaria introducción, llegamos al CD que quería comentar: "Jake Leg Blues", disco recopilatorio editado por el sello Jass Records en el año 1994 que contiene 17 temas interpretados por artistas de blues y Old-time, género predecesor en cierta medida del bluegrass, country y otras expresiones de la cultura musical popular americana. Entre los artistas incluidos están los conocidos Mississippi Sheiks con su hit "The Jake Leg Blues", y Tommy Johnson interpretando "Alcohol and Jake Blues". Aparte de estos, muchos artistas prácticamente desconocidos como los Ray Brothers, Lemuel Turner, Willie Lofton o Byrd Moore conforman esta recopilación con tintes históricos.

En general el sonido de estos temas es malo, teniéndo en cuenta que probablemente no se ha hecho un trabajo de restauración o masterización de los originales 78´s de pizarra. La calidad musical es indiscutible por la pureza y autenticidad de las mismas (hablamos de los años 30...) aunque he de reconocer que puede resultar un ejercicio muy severo para los no iniciados en el sonido de esta época.

Es un CD recomendado solamente a los oyentes de blues más empedernidos, a los musicólogos o historiadores de la música americana (supongo que no figurará ninguno entre mis escasos lectores) y a la gente como yo...
Como muestra escojo uno de los cortes que mejor calidad sonora tiene para intentar aliviar de alguna manera el castigo que les he impuesto si han llegado leyendo hasta aquí.

Gracias por la atención.

Bay Rum Blues - Dave McCarn & Howard Long

Lance & Donna - Long Gone

2011-01-09T22:29:00.012Z

ntentaré hacer una pequeña reseña sobre el disco "Long Gone", de "Lance & Donna". El dúo está formado por Lance Harrison y Donna Howley, que asumo como pareja del primero. Según he leído en su web, viajaron de Nashville, Tennessee a Europa donde han desarrollado su carrera como "trovadores de blues", o por lo menos así se autodenominan. Con dos discos en el mercado y asentados provisionalmente en Colonia, Alemania, comenzaron a tocar en las calles y plazas de Francia pero poco a poco fueron abriendo "brecha" y han actuado en múltiples locales de música en directo de diversos países europeos así como en algún que otro festival de blues.

El disco "Long Gone" fue lanzado al mercado en el año 2002 por el sello alemán Schubert Records. Es una grabación de una actuación en directo que consta de 14 temas interpretados por el dúo; esto de dúo es un decir, casi una broma, porque aunque Donna hace un digno trabajo con el RainStick y algunos coros, el peso musical total y absoluto corre a cargo de Lance Harrison. Según mi punto de vista, el papel de Donna es irrelevante, ya que perfectamente podría prescindirse de su aportación. Con un stompbox o una pandereta atada al pie de Lance, sonaría prácticamente igual.
La mayoría de los temas son de composición propia (de Lance, supongo) intercalados con alguna versión. Es un directo en el que no molesta excesivamente el ruido del público (cosa que me saca de los nervios cuando ocurre) y donde Lance hace alarde de su estilo interpretando Delta Blues (estilo predominante en su repertorio): una guitarra resonadora y un slide, es suficiente para él, bueno, y el dichoso "rainstick"...

El CD es un ejemplo del trabajo de unos músicos que se mueven entre lo "amateur" y lo "semi-profesional", nada especial ni destacable, incluso llega a ser aburrido en ocasiones y falto de chispa durante casi la totalidad del mismo. Imagino que ver al dúo en directo tiene que ser algo más emocionante, aunque sea por el impacto de la música en sí y por el buen trabajo de Lance.

En fin, les dejo un enlace a un vídeo suyo para que se hagan una idea, así no me molesto en subir ningún tema para su audición.

Bob Brozman - Hello Central, Give Me Dr. Jazz!

2011-01-05T12:08:00.007Z

oy toca el turno a Bob Brozman, uno de los más importantes exponentes del "slide-guitar" y sin duda uno de mis preferidos.
Nació en New York en el año 1954 y toca la guitarra desde los 6 años. Estudió música y etnomusicología en la universidad de Washington y desde muy pronto se interesó por la música hawaiana. Al descubrir el sonido metálico de las guitarras "National" (muy ligado a la música de aquellas islas) se convirtió en un coleccionista, abanderado y difusor de las mismas. Artista polifacético donde los haya, aparte de publicar trabajos discográficos, ha escrito libros, artículos, publicado vídeos, dvd´s didácticos, guías, múltiples reseñas en distintos medios y también ha dirigido música para películas, radio y televisión. Sus colaboraciones musicales son muy extensas, grabando con artistas de diversas partes del mundo y haciendo de la guitarra el puente que une culturas tan distantes como la africana o la hindú. Es co-creador de una fundación para ayudar a los músicos del tercer mundo en cuanto a equipamiento musical se refiere y sus giras artísticas abarcan los 5 continentes.

Extenderme hablando de la vida de este extraordinario músico sería invertir demasiado tiempo. Sugiero a los interesados realizar alguna búsqueda en internet o visitar su página web para entender la magnitud de la obra de Bob Brozman.

"Hello Central, Give Me Dr. Jazz!" es uno de mis favoritos de su discografía. Grabado en 1985 en el sello Rounder es su tercer disco en solitario y consta de 13 cortes musicales de una variedad asombrosa. Blues, swing, jazz, música hawaiana y alguna que otra reminiscencia más se puede adivinar oyendo estos temas. El disco está casi enteramente interpretado por Bob Brozman, en el que canta, toca la guitarra y el ukelele aunque en muchos temas le acompañan algunos músicos como el gran pianista George Winston. El sonido metálico de los instrumentos National es claramente reconocible en cada uno de los temas pero llevados a su máxima expresión, como sólo Bob Brozman sabe hacer. Sólo un apunte más: he de reconocer que la primera vez que oí la voz de Brozman me pareció algo nefasta y forzada, pero con el tiempo he logrado entender el carácter "semi-cómico" de la música que interpreta y su papel como "showman" en la misma. Todo esto al margen del poco caso que le hago a las voces cuando hay unas buenas guitarras sonando...

Trabajo completo, entretenido, variado, curioso y casi único. Absolutamente recomendable para los amantes del sonido National y para los que disfrutan de la música de principios del siglo XX (perfectamente recreada en el CD), no tanto para los blueseros puristas (en general hay poco blues). Los que buscan sonidos electrificados o cualquier otra variante más moderna del blues, manténganse alejados. Para el resto de oyentes puede ser un tostón o el comienzo de una amistad.

http://www.bobbrozman.com/

Bob Brozman - Dog and Cat

Offtopic

2011-01-01T02:31:00.007Z

mpiezo el nuevo año con un offtopic que revela otra de mis pasiones musicales: el Ragtime. Scott Joplin es el compositor más conocido, pero como siempre, hubo muchos otros. Joseph Lamb es uno de mis favoritos. Aquí les dejo un creación suya, "Ragtime Nightingale", tocado por un "anónimo". Me pareció una de las mejores y más fieles interpretaciones que encontré.

Feliz año nuevo a todos.
¡Salud!

Eddie Martin - Keep On Working

2010-12-30T09:37:00.013Z

ddie Martin es un artista londinense nacido en los años sesenta y desde temprana edad sintió atracción por la música. Influenciado por múltiples artistas americanos y europeos, Eddie compuso su primera canción a los doce años; a partir de ahí comenzó a crecer como músico hasta obtener nominaciones por "mejor guitarrista de blues", "mejor banda de blues" y "mejor álbum de blues" en los premios británicos de la música entre los años 1996 y 1998. Con diez discos en el mercado es un claro exponente del blues británico en la actualidad.

Ha diferenciado bien la faceta eléctrica de la acústica durante su carrera. En sus primeras grabaciones (con banda) el uso de la guitarra eléctrica era predominante; con un estilo influenciado por Buddy Guy, Freddie king o Albert King su presencia en los temas interpretados era poderosa y llamativa. En los últimos trabajos, se ha decantado más por el sonido acústico, añadiendo mucho más a menudo el uso de la armónica, con la que también "se defiende".
En definitiva, Eddie Martin es un artista completo (siendo prácticamente un "hombre-orquesta") con larga y prolífica trayectoria; magnífico representante del blues-folk europeo actual.

De los discos que tengo de Eddie Martin, no supe hasta el último momento a cuál me iba a referir en este post. En principio iba a hablar de su último trabajo "Folk And Blues", lanzado en este mismo año, pero después de "re-escucharlo", opté por "Keep on Working", grabado diez años atrás por el mismo sello discográfico en el que ha permanecido Martin en los últimos 15 años: Bluebloodrecords. Esta decisión está basada, como dije, por la "re-audición" de ámbos álbumes; creo que "Keep On Working", aparte de ser mejor trabajo en líneas generales, se ajusta más al estilo de este humilde blog.
Consta de 15 temas acústicos de los cuales 11 son compuestos por el propio Eddie Martin; a éstos les acompañan 2 temas "tradicionales" ("Bundle Up And Go" y "Mean Old Frisco"), el "It Hurts Me Too" de Tampa Red y "Queen Of Spades" del ínclito "Robert Johnson. Martin muestra en el cd todo su repertorio como compositor, guitarrista, armonicista y percusionista. Cuenta con la colaboración de un pianista y un mandolinista en algún tema, el resto está enteramente interpretado por él. "Keep on Working" es un trabajo totalmente "bluesero", con sonidos puros y cristalinos. Sin tener datos técnicos, me atrevo a decir que como mínimo usa dos guitarras, una acústica de caja de madera y otra resonadora con la que se atreve en ocasiones a interpretar "slide". Sus pies llevan el ritmo con un bombo (además de un "hi-hat" o "tambourine" en algunos temas") y su armónica lo acompaña a la perfección, siempre respondiendo con bonitas "frases" a su rasgada y potente voz.

Excelente trabajo de este artista británico, recomendable al 100%. Entretenido, serio, variado y de muy buena calidad musical.

http://www.eddiemartin.com/

Eddie Martin - Keep On Working

Steve James - American Primitive

2010-12-25T10:48:00.007Z

l artista de hoy es un claro ejemplo de cómo se consigue seguir en la brecha del blues a base de hacer conciertos y sin tener el respaldo de un gran sello discográfico. Me encantan estos tipos....
Steve James nació en New York en 1950 y gracias a la colección de discos de su padre, comenzó a oír a los "clásicos" del blues. Aprendió a tocar la guitarra, el banjo y la mandolina. En su adolescencia se mudó a Tennessee donde conoció a Sam McGee y a Furry Lewis. En 1977 se traslada a San Antonio, Texas en donde estableció su "cuartel general de operaciones". Allí comenzó a actuar con músicos locales e incluso compartió escenario con Bo Diddley o Dave Van Ronk. En adelante su vida musical será un "no parar" haciendo conciertos, colaboraciones y grabaciones. Su estilo se mueve entre el blues acústico, el folk-blues y el ragtime quedando plasmado en múltiples trabajos discográficos y DVD´s didácticos. Actualmente sigue realizando giras y enseñando mediante "clases maestras" en toda América y Europa. Antes de hablar sobre el disco, mencionaré simplemente a una artista con la que ha hecho colaboraciones: Del Rey; mujer de extraordinario talento sobre la que espero poder comentar algo en este blog lo más pronto posible.

American Primitive es un álbum publicado en 1994 por un pequeño sello de Texas llamado Antone´s. Se incluyen 14 temas de los cuales la mitad son creacióm propia del artista y la otra mitad son versiones de Memphis Minnie, Bumble Bee Slim o Tampa Red. Es un trabajo acústico muy entretenido donde Steve James cuenta con la colaboración de músicos como Danny Barnes, el armonicista Gary Primich o Sarah Brown. Técnica musical perfecta, sonido "National" por los cuatro costados, autenticidad, brío, potencia... En definitiva, álbum casi perfecto.

Absolutamente recomendable para los interesados en la buena música e imprescindible para los oyentes de blues acústico.

Steve James - Ragged & Dirty

David Evans - Match Box Blues

2010-12-21T19:28:00.006Z

oy escribiré unas líneas sobre David Evans, artista cuya carrera se desarrolla en varias direcciones: productor, músico y "documentalista musical" (quizás la faceta más importante de las tres según mi punto de vista ). Uso las comillas para referirme a esa parte del blues que generalmente pasa desapercibida para muchos oyentes pero que es de importancia crucial no sólo para el propio estilo en sí, sino para la difusión y conocimiento de manera general de músicos, grabaciones y demás datos históricos. Por supuesto, hablo exclusivamente del blues tradicional grabado tiempo atrás por artistas prácticamente desconocidos o que permanecían en un anonimato casi absoluto. Para aclarar un poco mejor el concepto me voy a referir a uno de los grandes "documentalistas" (etnomusicólogo sería la palabra correcta) americanos: Alan Lomax. Hablar de su trabajo es resumir la historia de la música tradicional norteamericana del siglo XX, o por lo menos de la primera mitad del mismo. Gracias a su amplia búsqueda de documentación en lo referente al blues, han llegado hasta nosotros nombres, fechas, grabaciones y multitud de datos sobre los grandes bluesmen de la historia. A menor escala, David Evans ha realizado un trabajo similar. (consultar los enlaces correspondientes para un mejor entendimiento).

David Evans nació en Boston el 22 de Enero de 1944 y como otros muchos artistas, fue gracias al movimiento "folk-blues revival" (del que tantas veces he hablado en este blog) como llegó a interesarse verdaderamente por el blues. Después de ver actuando a Son House o Mississippi John Hurt se dedicó enteramente a estudiar la historia de este estilo de manera profesional, alternando con labores de músico (guitarrista y cantante) y productor. Se graduó en la universidad de UCLA en 1966 y comenzó a realizar múltiples viajes por toda la geografía norteamericana llevando a cabo su interesante labor. En 1970 grabó a Jack Owens (ya comentaré algo sobre él en futuros posts), en los años 80 colaboró como guitarrista rítmico en algunos álbumes de Jessie Mae Hemphill, ha producido diversos trabajos y ha lanzado al mercado (esto ya en su faceta como músico) tres cd´s. Mientras, sigue siendo director del programa de etnomusicología de la Universidad de Memphis.

Match Box Blues es un CD grabado en el año 2001 por el sello Inside Sounds. Producido por el propio David Evans, consta de 14 temas en los que participa Evans (guitarra, voz y kazoo), Jobie Kilzer (armónica); Dick Raichelson (piano); Amy Adcock (bajo) y Jack Adcock (washboard y percusión). Como álbum no es excesivamente destacable aunque tiene un buen repertorio de versiones de Leroy Carr, Tommy Johnson o Blind Lemon Jefferson entre otros. Algunos cortes son exclusivamente voz y guitarra (los menos) y en el resto, la banda cumple perfectamente: serios, profesionales, buena ejecución y buen sonido. Disco entretenido y variado pero no como para prestarle mucha atención. Interesante pero en absoluto imprescindible.
Me quedo con la labor docente de David Evans y su trabajo difundiendo el blues y su historia.

David Evans - Candy Man

Larry Johnson - Fast and Funky

2010-12-19T17:00:00.007Z

n el post de hoy, hablaré de un disco y un artista que servirán de acercamiento a mi estilo de blues preferido: "Blues de la Costa Este" o también conocido como "Piedmont Blues". He escogido un trabajo del guitarrista Larry Johnson, artista que sin ser demasiado conocido puede resumir con su música lo que el Piedmont Blues representa. Sin duda, antes y después de Larry J. ha habido muchos otros guitarristas que por su significado (Elizabeth Cotten, Pink Anderson, Buddy Moss y tantos otros) o por su calidad como intérpretes (John Cephas, Brownie McGhee o Roy Bookbinder...) podrían servir como mejores referentes de este estilo, pero después de algún tiempo sin escuchar el disco "Fast and Funky" de Larry Johnson, hoy tocó. No pude reprimir la tentación de hablar sobre él.

Larry Johnson nació el 5 de Mayo de 1938 en el condado de Fulton, Georgia. Su padre era un predicador y normalmente viajaba con él de una ciudad a otra estando expuesto en estos múltiples viajes a distintas influencias. De esta manera oyó al gran Blind Boy Fuller, artista que le hizo comenzar a tocar la guitarra. Ingreso en la Armada (1955-1959) y al finalizar se trasladó a New York, donde conoció a algunos guitarristas influyentes en su estilo como Brownie McGhee, o Guitar Slim. Éste le presentó al que fuera su gran mentor, el Reverendo Gary Davis, guitarrista que transmitió sus conocimientos y estilo a otros incipientes artistas en la década de los 60 como Roy Bookbinder o Stefan Grossman. Johnson comenzó a lanzar sus trabajos en pequeños sellos e incluso a hacer alguna colaboración con el propio Gary Davis, Big Joe Williams o John Hammond. Su discografía es algo escasa pero de calidad.

"Fast and Funky" fue originalmente lanzado por el desaparecido sello Blue Goose en el año 1971 y relanzado al mercado en CD en el año 1997 por la Sociedad de Blues de Baltimore. Contiene 14 temas totalmente acústicos en los que Larry Johnson demuestra su extremo nivel como guitarrista. Una de las características del "Piedmont Blues" es por lo general, el uso de la técnica del "fingerpicking" que Larry ejecuta a la perfección. Su voz está totalmente "empastada" con la guitarra logrando un resultado absolutamente exquisito.

Trabajo de gran nivel y recomendable para los oyentes que quieran acercarse al "Piedmont Blues" sin pasar por los orígenes del mismo (grave error, pero opción válida). Puede resultar algo aburrido para el "oyente medio", para el deseoso de grabaciones realizadas con varios instrumentos, guitarras distorsionadas, grandes solos o para los que buscan sencillamente un blues algo más "estándar".

Larry Johnson - Four Women Blues

Offtopic

2010-12-14T23:40:00.006Z

atsy Cline, una de las más grandes voces que ha dado norteamérica y una de las más grandes influencias en la música country posterior. Muerta a los 30 años en un accidente de avión, dejó un legado de canciones que marcaron un estilo, una época, una sociedad...

Les dejo con una muestra de su deliciosa voz.

Biografía en inglés (completa).

Biografía en español (extracto).

Patsy Cline - I Can See An Angel Walkin´

Octavio Cortés - Holler

2010-12-13T01:32:00.008Z

oy he vuelto a escuchar los discos de Octavio Cortés y otra vez, como siempre, se me "hiela la sangre" y se "me ponen los pelos como escarpias". Hace unos cuantos años que conozco su música y que entablé una amistad "digital-virtual" con él, aunque hace tiempo que no sabemos el uno del otro. No sólo me impresionó su manera de interpretar blues sino su trayectoria musical y vital; digna de un libro de curiosidades musicales.

No se si leerá esto algún día, pero en cualquier caso este post está dedicado enteramente al mejor bluesman de "corte acústico" español que ha existido jamás: Octavio Cortés. A muchos les sonará exagerada esta afirmación, pero hasta el momento no he oído nada igual en España en lo que a Delta Blues se refiere.

La mejor recopilación de sus datos biográficos que he podido encontrar la escribió Francisco Javier Gonzalo y publicada por "LadyBlues" (Mabel: excelente fotógrafa y redactora principal de "La Taberna del Blues") 3 años atrás en la propia "Taberna". No me molestaré en transcribir ni una palabra, entre otras cosas porque me parece perfecta. Les dejo el enlace para los interesados:

Biografía Octavio Cortés

Dos discos grabados por Octavio quedaron para la historia: "Holler" y "Special Rider" (aunque éste no vio nunca la luz). El primero (1995) es algo supremo, soberbio, auténtico, maravilloso... y el segundo es mucho más delicado pero no por eso de menos calidad. "Holler" incluye 15 temas acústicos que podrían servir perfectamente como resumen de lo que se conoce como Delta Blues. Versiones de Robert Johnson, Bukka White, Son House y otros "clasicos" juntos con algún tema "tradicional" y una creación del propio Octavio conforman este álbum genial, de un artista genial.

Absolutamente recomendable para los seguidores del Delta Blues y para los que buscan buen blues hecho en España.

Les dejo con uno de los temas incluidos en Holler: Dead Letter Blues donde Octavio versiona a Son House de manera sublime.

Octavio Cortés - Dead Letter

Hans Theessink - Songs From The Southland

2010-12-08T13:55:00.012Z

ltimamente me he llevado sorpresas al revisar mi colección de blues y darme cuenta de la cantidad de álbumes de artistas "no americanos" que tengo. Voy a seguir aprovechando eso y a hablar en esta ocasión de un trabajo titulado "Songs From The Southland" grabado por Hans Theessink. Músico nacido en el año 1948 en Enschede, Holanda y residente en Austria desde hace mucho tiempo, está influenciado por el blues-revival de la década de los 60 (como muchos otros artistas europeos de la misma época) y creció recibiendo influencias de ese movimiento cultural hasta acabar por reflejarlo en sus grabaciones. Tiene publicados 20 álbumes, DVD´s, Cd´s, libros didácticos y múltiples premios. En concreto, el álbum sobre el que comentaré en este post, recibió en 2004 el "Amadeus Austriaco" (premios de la música de aquel país) y en 2005 recibió un DMA (Premios de la música daneses). Ha actuado en infinidad de Festivales de blues en Europa y en Norteamérica ("New Orleans Jazz & Heritage Festival", "Chicago Blues Festival", son sólo unos ejemplos), realiza más de 200 actuaciones cada año y es uno de los máximos exponentes de la historia del blues europeo de los últimos 25 años.

"Songs From The Southland" se lanzó al mercado en 2003 por el sello Minor Music Records y consta de 14 temas de los cuales la mayoría son "tradicionales" con adaptación del propio Theessink, versiones de clásicos como Rev. Gary Davis, Mississippi John Hurt, o Leadbelly e incluso un tema del ínclito John Fogerty. En general es un álbum bastante aceptable, con excelente sonido, arreglos corales de calidad, apoyo instrumental interesante en algunos temas (armónica, contrabajo, mandolina o banjo) y las guitarras de Hans Theessink, sólidas, serias, sin lucimiento extremo pero con calidad. La voz del artista me parece particularmente curiosa debido a su grave registro y al bien logrado acento. Disco tranquilo, de cortes bien seleccionados y con poco que criticar (la lamentable portada, quizás). En absoluto cansino e ideal para oír mientras se conduce, se ve una puesta de sol, se pasea por el campo o en casi cualquier ocasión.

Sin ser una obra maestra (ni mucho menos) o un álbum excesivamente destacable, es recomendable a todos los niveles.

Les dejo un link a la información del cd y el consabido link a la página del artista:

Songs from the Southland.

http://www.theessink.com/

Hans Theessink - Mercury Blues

Memphis Minnie - Complete Recorded Works In Chronological Order

2010-12-05T15:34:00.009Z

o recuerdo si en anteriores entradas he publicado algo acerca de Memphis Minnie, supongo que por lo menos habré hablado de ella; si no es así, ya es hora. Hacía tiempo que no escuchaba nada de esta artista y hoy tocó; elegí el primer volumen de sus obras completas recopiladas por el magnífico sello discográfico Document, (al que tantas veces he hecho referencia y del que me declaro absoluto seguidor y admirador. Hacen un trabajo encomiable de recopilación, restauración y publicación de country-blues) y desde la primera nota emitida por su voz, decidí que iba a compartir con ustedes algunas líneas sobre esta artista ÚNICA, repito: ÚNICA.

Memphis Minnie nació bajo el nombre de Lizzie Douglas en Algiers, New Orleans en el año 1897. Aprendió a tocar la guitarra y el banjo en su niñez hasta que abandonó su hogar a los 13 años y viajó a Memphis, Tennessee en donde empezó a actuar en night-clubs bajo el sobrenombre de Lizzie "Kid" Douglas. Al poco tiempo se unió al Circo de los Hermanos Ringling realizando diversas giras. Se casó con Casey Bill Weldon pero fue en su segundo matrimonio, con Kansas Joe McCoy, cuando se produjo su debut discográfico , siendo "descubiertos" mientras actuaban en la famosa calle Beale Street en Memphis por un "cazatalentos" musical del sello "Columbia". Grabaron varios cortes de entre los cuales destacó "Bumble Bee", éxito absoluto en las ventas de la época lo que les catapultó a la fama para en 1930 viajar a Chicago en donde la industria discográfica dedicada al blues tenía mucho peso. Tras cinco años de actuaciones y éxitos juntos, Memphis minnie se separó de McCoy y se casó con el que sería su siguiente acompañante musical: Ernest Lawlers, más conocido por "Little Son Joe Lawlers". El matrimonio formó una compañia de vaudeville, y durante la década de los 40 hicieron continuas giras por Indiana y Michigan, retornando finalmente a Chicago a principios de los años 50. Allí se mantuvieron durante 7 u 8 años más, pero su música perdió interés para el público, lo que les obligó a retornar a Memphis. Allí murió Lizzie Douglas, la gran Memphis Minnie, en 1961.

Aunque al principio del post hablé de que estaba oyendo el primer volumen de las obras completas de Memphis Minnie, tengo en mi poder los cinco volúmenes y no tienen desperdicio alguno. En realidad, toda la obra de Memphis Minnie es totalmente recomendable, aunque sea en forma de recopilatorio de sus éxitos. Su voz, su estilo al tocar, su poderosa personalidad y el tremendo legado artístico así como las influencias en generaciones de artistas posteriores, hacen de Memphis Minnie una de las piedras angulares más importantes del country-blues, y por defecto del blues y rock posterior. Simplemente, poner como ejemplo el tema "When the Levee Breaks", versionado hasta la saciedad décadas después de que Memphis Minnie y Kansas Joe McCoy lo grabasen por primera vez. Merece la pena revisar el enlace para comprobar la cantidad de versiones existentes. Ahí es nada...

Supongo que podría estar un buen rato más hablando de las virtudes de Memphis Minnie, pero ya les dejo con un tema elegido completamente al azar para que lo disfruten.

Salud!

Memphis Minnie - Black Widow Stinger

Michael Pickett - Solo

2010-12-03T16:57:00.007Z

ontinuando con trabajos de bluesmen poco conocidos, le toca el turno al álbum titulado SOLO del músico canadiense Michael Pickett. Éste nació en 1950 en los suburbios de Toronto donde pronto se vio atraído por el blues. Su madre le compró una armónica cuando tenía 13 años y una actuación de Sonny Terry y Brownie McGhee en la televisión, le marcó para siempre. A finales de los años 60, Pickett formó una de las bandas de blues pioneras en el panorama canadiense: Whiskey Howl, permaneciéndo activa hasta 1972, aunque con alguna actuación esporádica durante esa década de los 70. La banda lanzó únicamente 2 álbumes al mercado: al primero fue en 1972 con el mismo nombre del grupo Whiskey Howl y el segundo en 2005 aunque corresponde a una grabación de un directo realizado en 1981 Live at the El Mocambo. De 1976 a 1979 también formó parte de la banda Wooden Teeth En 1998 se produce el debút en solitario de Michael Pickett con el lanzamiento del álbum titulado Blues Money en el que contó con la colaboración de Colin Linden. Tras este trabajo vinieron Conversation With The Blues (2000), Solo (2002) y un directo en el 2004 "Live at Winterfolk!".

Michael Pickett es el único músico que interviene en el álbum "Solo", tocando la guitarra, la armónica y cantando. Es un disco bastante tranquilo, limpio y sin muchas ornamentaciones. La guitarra lleva el peso acompañante; correcta, justa y seria, con algún toque de slide por aquí y por allá pero sin demasiada notoriedad. La armónica suena como "replicante" perfecta de la voz de Michael Pickett; tocada con energía y claridad pero sin tomar excesivo protagonismo. Podríamos decir que estos instrumentos junto a la voz del artista forman un conjunto perfectamente equilibrado. En el CD se incluyen 12 cortes (acústicos) muy lineales logrando una atmósfera intimista y "de raíces".

Considerándolo como un álbum muy completo, lo recomiendo como audición de cuando en cuando ya que en ocasiones y dependiendo de lo que el oyente busque (como es natural) podría llegar a ser algo aburrido por la falta de "picos de intensidad". Buen trabajo, en definitiva.

http://www.michaelpickett.com/

Michael Pickett - Steady Rollin´ Man

Bjorn Berge & Jan Flaaten - Berge/Flaaten

2010-11-28T22:49:00.006Z

tra muestra de country-blues "made in Europe". Se trata del álbum titulado Berge/Flaaten. Este título no es ni más ni menos que los apellidos de los dos artistas que intervienen en el trabajo: Bjorn Berge & Jan Flaaten. Dos músicos noruegos de los que realmente se bien poco; he estado buscando en la red y di con la página del guitarrista Bjorn Berge. Es una web bastante completa donde no solo se habla de sus trabajos (muchos más de los que pensaba) sino de su equipo musical, técnico, tours, etc. Por más que busqué no encontré más datos biográficos que los que ya obraban en mi poder: Músico nacido en 1968 en la ciudad Noruega de Haugesund y ganador en varias ocasiones de premios "Spelemannsprisen" (Grammys noruegos). En definitiva, se trata de un artista consagrado en su país, con unos 12 trabajos editados en el mercado discográfico. En cuanto a su compañero de trabajo Jan Flaate, soy incapaz de encontrar nada más allá de unas fotos y unas cuantas participaciones en algunos festivales de blues locales. Lástima.

En cualquier caso, el álbum no es nada del otro mundo: blues acústico de raíces, serio, limpio, aunque un poco impersonal. El trabajo del guitarrista (y cantante) Bjorn Berge no destaca excesivamente por su calidad aunque cumple con el rol de instrumento acompañante y realiza sencillos solos que se acoplan bien al sonido global. Bajo mi punto de vista, el supuesto "secundario", Jan Flaate sí que desarrolla un papel excelente. Su armónica no para de sonar con frases distintas y de muy buena factura. Limpio y claro a la vez que potente y comunicativo. Además realiza algunos coros de vez en cuando. Interesante labor la suya.

Como resumen simplemente decir que en absoluto se trata de un álbum imprescindible, sino más bien todo lo contrario. Nada especial. Entretenido pero poco más.

Bjorn Berge & Jan Flaaten - My Way Or The Highway

Offtopic

2010-11-27T20:34:00.008Z

Les dejo una exquisitez sonora de ese gran desconocido para muchos: Oscar Alemán.

(Nada que envidiar e Django Reinhardt, ¿eh?)

Salud!

Oscar Alemán - Bésame mucho

Ben Andrews - Stones In My Passway

2010-11-25T05:01:00.005Z

tones in my Passway es el título del álbum que comentaré hoy. Pertenece a un músico llamado Ben Andrews sobre el que me he permitido recabar algunos datos biográficos:

Nació en Yugoslavia en 1960 siendo adoptado por un matrimonio americano allí afincado. A la edad de 8 años empezó a estudiar guitara clásica y cuando sus padres regresaron a Washington (Estados Unidos) en 1972 comenzó a a interpretar folk y blues. En la década de los 80 viajó a Chicago donde logró actuar, pero pronto volvió a Washington y acabó ganando reputación interpretando Delta Blues. En 1984 estuvo de gira por la región conocida como North Atlantic (que abarca desde los estados de Carolina del Norte a Pennsylvania y Delaware) para acabar en 1986 grabando un disco en solitario: Night Ride publicado por Railway Records. Desde entonces no paró de actuar en festivales de blues por toda la costa este de Estados Unidos. En el año 2000 comenzó a hacer giras por Holanda Bélgica y especialmente por Inglaterra donde logró bastante fama llegando a actuar en múltiples Festivales de Blues (Bishopstoke o Glastonbury entre otros). A la vez, formaba un grupo llamado Blue Rider Trio con el que también grabó mientras seguía publicando sus trabajos en solitario. Actualmente sigue actuando y apareciendo en diversos festivales por toda Europa y América.

Stones in my passway (clara y directa referencia a Robert Johnson) es un álbum editado en el año 1999 por el sello Railway Records y consta de 12 temas interpretados únicamente por Ben A. y su guitarra. Temas como "Come On in My Kitchen", "Travellin´ Man" o "Baby Please Don´t Go" son ejemplos de algunas versiones incluidas junto con 3 cortes de creación propia (uno de ellos es el que pueden oír al final del post). Las influencias de Ben Andrews están perfectamente definidas y plasmadas en el cd; Robert Johnson, Blind Willie McTell, Son House de manera más notable y en un "segundo plano" Pink Anderson o Big Joe Williams. La técnica del artista así como su voz son buenas, cumpliendo con las expectativas y cubriendo con creces lo que espero de un disco de country-blues grabado en esta época. Huelga decir que es un trabajo enteramente acústico y totalmente recomendable para los seguidores de country-blues, delta-blues o piedmont-blues. El resto debe abstenerse si no quiere decepciones.

Ben Andrews - Lazy Dog

Charlie Parr - King Earl

2010-11-23T15:51:00.009Z

n esta ocasión hablaré sobre un trabajo un poco fuera de la línea de este blog. Teniendo en cuenta que la gran mayoría de las entradas aquí hablan sobre blues puro y duro, con el álbum de hoy intentaré mostrar la unión existente entre el country-blues y el folk tradicional americano. Bien es cierto que tan sólo basta con oir artistas como Mississippi John Hurt para darnos cuenta de que la línea que separa ambos estilos es muy delgada a veces, lo que pasa es que en el caso de J. Hurt nos referimos a un artista nacido a principios del siglo XX, cuando prácticamente dichos estilos no tenían nombre o etiquetas mientras que las grabaciones del artista sobre el que hablaré hoy están realizadas a la vez que otra gente graba pop, música electrónica, rap y otros tantos estilos tan sobrevalorados en este loco mundo.

"King Earl" es un álbum realizado en 2004 por Charlie Parr, un artista bastante desconocido por estos lares. En su interior nos encontramos con 13 temas cuya sonoridad va desde el ya nombrado Mississippi John Hurt, Furry Lewis o Mance Lipscommb hasta John Fahey o el ínclito Bob Dylan. Mucha gente que tenga la oportunidad de escuchar este disco sobre el que estoy hablando, pensará que podría sonar excesivamente a este músico de Minnesota (Dylan), artista que por cierto nunca he sabido apreciar, pero bajo mi punto de vista y como se suele decir, no hay color: la obra de Charlie Parr emana tradición, devoción e incluso creencia en la pureza artística musical, mientras que la de Dylan, está claramente mucho más adulterada desde sus inicios, por no hablar de la técnica musical de ambos que me resulta totalmente incomparable. Bueno, no seguiré hablando más de Dylan, para no ganarme muchos enemigos más.

"King Earl" es un disco con muchas sensaciones: me invita por momentos a la introspección en temas como "1917"; me transporta a los Montes Apalaches (pese a no haber estado allí nunca) con temas como "Mule Rider", en donde el artista demuestra que se defiende perfectamente con el banjo tocado en estilo "clawhammer" y me recuerda inevitablemente a Furry Lewis o John Hurt con cortes como "Jefferson Street Express" o "Ode to a New Dealer". Técnicamente nos encontramos a un músico que domina la guitarra slide tradicional de manera magistral, combinada con una voz algo aguda por momentos pero perfecta para la música que interpreta.

Disco para oir, escuchar, escribir acerca de él, volver a oir, escuchar, exprimir e incluso algún tema que otro podría sonar en mi funeral, ¿por qué no?.

Hablando objetivamente, también hay que añadir que podría ser un auténtico ladrillo sonoro para muchos (who cares?), en este blog no hay término medio.

Charlie Parr - Union Tramp

Harlem Slim - Delta Thug

2010-11-22T12:05:00.009Z

reo que este post va a ser corto ya que versará sobre un artista del que soy incapaz de recopilar algo de información fidedigna y veraz. El señor en cuestión se hace llamar Harlem Slim y lo único que he podido averiguar es que nació en Nueva York en los años 50. Realmente me sorprende que un músico con tres trabajos en el mercado no esté indexado en un buscador de internet o por lo menos que aparezca alguna referencia más sobre él.
El álbum se llama "Delta Thug" y supuestamente fue lanzado a la venta el 26 de Septiembre del año 2000. Consta de 14 temas en los que el artista mezcla composiciones propias y algunas versiones de clásicos como Bo Carter, Blind Willie McTell además de temas tradicionales.

Mi opinión sobre el álbum es muy buena pese a que realmente no aporta nada al panorama del blues, cosa que incluso agradezco, porque para los que no lo sepan, ya he comentado en múltiples ocasiones que sobre el blues no hay nada nuevo que se pueda hacer excepto imitar, versionar o creer que se está innovando cuando realmente ya está todo hecho hace muchos, muchos años atrás. Lo siento, soy intransigente en eso hasta que no se me demuestre lo contrario. No obstante, la técnica como guitarrista es excelente, el sonido muy cuidado y sobre todo el buen "olor" a autenticidad que desprende el álbum, entendido éste como un simple tributo a los artistas que dejaron su legado grabado en discos de pizarra hace casi un sigo ya.
Y para ir acabando, comentar que Harlem Slim al año siguiente al lanzamiento de este trabajo, publicó otro titulado "The Universal Pitch: In Christ There Is No East or West" que pese a que no he oído sino pequeñas muestras, dista mucho de la calidad que poseé "Delta Thug". Pensándolo bien, el título lo dice todo... Les dejo un enlace para que formen su opinión. Posteriormente parece que volvió al "buen camino" publicando el álbum "King of the Delta Bluesmen" sobre el que algún día puede que hable en este blog.

Agradezco cualquier información biográfica contrastada que puedan aportar sobre el artista para insertarla en el post de inmediato. Gracias

Harlem Slim - Main Street Rag

Al Cook - The Country Blues

2010-11-21T01:10:00.007Z

urioso trabajo este álbum titulado "The Country Blues". Digo curioso porque lo firma un músico europeo llamado Al Cook y si no hubiera leído algo sobre él jamás hubiera adivinado su procedencia. Puede parecer un tópico pensar que los "mejores" artistas de country-blues sean de origen norteamericano, pero son tan pocas las excepciones que cada vez que descubro un "no-americano" interpretando este estilo "decentemente" me llama poderosamente la atención.

Al Cook nació en Austria en el año 1945 y su historia es más o menos predecible en cuanto a las dificultades que se pudo encontrar un músico europeo de esa época interesado en el pre-war blues: aprender a tocar oyendo viejas grabaciones, pocas referencias reales para consultar (en vivo), etc, etc. No obstante, su trabajo dedicado y constante además de la suerte de estar en el lugar correcto, en el momento oportuno lo llevaron a grabar su primer trabajo. Me explico: como muchas veces he comentado, el movivmiento folk-blues revival surgido en Europa en los años 50-60 no sólo dio una excelente oportunidad de redescubrir a viejas glorias del blues (algunas muertas y otras a punto de hacerlo) sino de que algunos músicos locales (europeos) tuvieran ocasión de enriquecer sus conocimientos, su círculo de contactos y por ende sus oportunidades de darse a conocer en aquel movimiento emergente. Al Cook es un claro ejemplo de lo que hablo. Los interesados en datos biográficos pueden consultar su web: http://www.alcook.at/.

En cuanto al disco en concreto, está editado por el sello Wolf y simplemente comentar que consta de 18 cortes compuestos por el artista al más fiel estilo "pre-war blues", pero como él mismo cuenta en el libreto interior del CD, dichos temas están totalmente basados en particulares estilos de artistas en concreto. Así podemos encontrar algunos que suenan claramente a Blind Lemon Jefferson o Robert Johnson pero sin llegar a versionar directamente a estos músicos.

Su manera de tocar es correcta y efectiva, sin adornos innecesarios y siendo fiel al sonido que quiere. Temas grabados con una guitarra resonadora y su voz, usando en algunos de ellos el slide y haciéndose acompañar a veces por algunos musicos locales todavía menos conocidos que él mismo como Karin Daym, Rev. Frank T T o el armonicista Stephan Rausch.

Trabajo digno, bien realizado, serio y con calidad. Una vez más aviso: Blues enteramente acústico que quizás pueda servir a los oyentes neófitos en el pre-war blues como plataforma conocedora del mismo, aunque para eso hay cientos de trabajos igualmente recomendables.

Al Cook - Teddy Bear Blues

Offtopic

2010-11-20T03:18:00.005Z

l Offtopic de hoy va dedicado a otro estilo musical del que estoy totalmente enamorado, el Bluegrass. Sin ahondar en detalles, se trata de un tema del álbum debút del gran mandolinista David Grisman, Early Dawg.

(La grabación está extraida del LP original, espero sepan disculpar la calidad del sonido).

David Grisman - The Prisioner´s Song

Joe Hill Louis - Boogie In The Park

2010-11-19T16:58:00.008Z

Seguimos con otro "hombre-orquesta", en esta ocasión hablaré de Joe Hill Louis y de su disco "Boogie In The Park".

Su nombre real era Leslie Hill y nació en Raines, Tennessee en 1921. Dejó su hogar con 14 años y estuvo vagabundeando ("hoboing") y tocando en las calles durante un tiempo hasta que en los años 40 se instaló en Memphis y comenzó a actuar como hombre orquesta denominándose a si mismo como "Joe Hill Louis The Be-Bop Boy And His One Man Band". Se hizo popular y logró contratos de grabación con Columbia Records, Sun Records y otros sellos discográficos.

Un corte profundo en un pulgar le hizo contraer la enfermedad del tétanos y murió a los 35 años de edad.

Boogie In The Park es un álbum recopilatorio editado en el año 2001 y que consta de 28 temas grabados por Joe Hill a principios de los 50. Los temas recogidos aquí fueron grabados en su mayoría para el sello "Sun" y representan perfectamente el estilo musical de este artista. Casi todos están ejecutados por él en solitario aunque hay algunos en los que se hace acompañar de un pianista. En comparación con Dr.Ross, Joe Hill me parece un artista más dinámico musicalmente hablando, aunque analizándolos por instrumentos, el dominio de la armónica de Dr. Ross es infinitamente superior al de Joe Hill. El acompañamiento a la guitarra es similar en ambos, destacando un poco más el de Joe Hill (incluso aventurándose a ejecutar pequeños y sencillos solos con ella). No debemos olvidar que estos artistas cantan y se están acompañando a si mismos por 3 instrumentos a la vez (guitarra, armónica y sección rítmica) por lo tanto, es normal que no destaquen especialmente en ninguno de estos pero que formen un conjunto excepcional y poco sencillo de imitar.

Un disco animado aunque con buenos blues lentos recomendable como muestra de lo hecho por hombres orquesta; buen trabajo que no ocupará un espacio en vano en cualquier buena colección de blues que se precie.

Joe Louis Hill - Broke And Hungry (Blue In The Morning)

Dr. Isaiah Ross: Call the Doctor

2010-11-16T14:35:00.008Z

El hombre sobre el que hablaré hoy habría que catalogarlo en la faceta musical como un hombre-orquesta. Charles Isaiah Ross, más conocido como Dr. Isaiah Ross (o Dr. Ross) fue un bluesman de esos que se lo hacían todo ellos solos, aunque en este caso roza lo extremo. Toca la armónica de una manera excepcional sirviendo como apoyo a su voz, clara y firme; de fondo, una guitarra acústica tocada sin excesivos adornos pero cumpliendo su función de instrumento acompañante y a todo esto se une un pequeño set de percusión formado básicamente por un bombo y un "hi-hat".

El disco Call the Doctor es un trabajo lleno de blues transformado casi siempre en Boogie-woogie y Rock´n´Roll. Fué editado en formato vinilo en el año 1965 por el sello Testament aunque posteriormente reeditaron el trabajo en CD en el año 1994. Un disco particular y muy curioso que nos demuestra una vez más que no hace falta grandes bandas ni grandes efectos ni grandes montajes para hacer buena música, buen blues o buen arte.

A los que les gusta el blues acústico apreciarán este disco y a los que no, tal vez es una buena oportunidad de oír algo distinto, ya sea por simple curiosidad o por el carácter "movido" que tiene la obra. El video merece la pena ser visto para comprender un poco mejor de lo que hablo.

Dr. Isaiah ross - Hobo Blues

Publicidad en Goear, lo que faltaba...

2010-11-15T23:19:00.009Z

Este es un post de "disculpa".

Los "queridos amigos" de Goear (lugar donde subía mis canciones para cargarlas en el blog) han añadido publicidad a las canciones a traición, sin avisar y de manera repugnante. Siento que los que quieran oír algún tema deban tragarse bazofia publicitaria. Prometo que en los sucesivos posts ya habré encontrado un sustituto con el que satisfacer a mis selectos lectores/oyentes :-)

De momento y en compensación les dejo con una "perla" musical probando otro formato.

Doc Watson - Country Blues

Salud!!

Robert Belfour - What's Wrong With You

2010-11-14T20:17:00.008Z

Hoy le toca el turno a otro de los trabajos que debí comentar en este blog hace mucho tiempo atrás: "What's Wrong With You".

Las primeras impresiones que tuve cuando oí este disco fueron sorprendentes, exclusivas e incluso escalofriantes. Hoy lo vuelvo a escuchar para realizar este comentario y sigo sintiendo lo mismo. Robert Belfour logra plasmar en "What's Wrong With You" toda la esencia del blues del Mississippi como si se tratara de cualquier esclavo (músico) de hace 100 años. Su voz, el sonido de su guitarra y la percusiva manera de tocarla forman un "lamento" más propio de finales del siglo XIX que de la era actual. Sonoridades envolventes que evocan reminiscencias de otra época y otros sentimientos confieren a este disco un carácter enteramente hipnótico y especial. Por momentos me parece estar oyendo a Fred Mcdowell o Charlie Patton pero envuelto en la clara y poderosa voz de Robert Belfour. La manera de tocar la guitarra también me recuerda a otros músicos que prácticamente parecía que golpeasen su instrumento para hacerlo sonar (nada más lejos de la realidad) como R.L. Burnside o el propio John Lee Hooker.

Disco enteramente acústico donde el único protagonista es Robert Belfour y su guitarra; recomendable al máximo para los seguidores de la vertiente del blues más básica pero no menos importante, el Delta Blues. Para el resto puede ser un auténtico tostón.

Offtopic

2010-11-13T02:37:00.007Z

Rolando Laserie: "Me has dicho que si"

Este tema ya lo publiqué hace tiempo en otro blog que actualmente está fuera de circulación; merece ser el primer offtopic de éste.

Catfish Keith - "Fresh Catfish"

2010-11-11T16:02:00.009Z

Hace mucho tiempo que conozco los trabajos de Catfish Keith, pero nunca me había decidido a escucharlos con la paciencia suficiente para analizarlos y escribir sobre ellos. Hoy es el día.

La palabra con la que defino a este artista es "FRESCURA"; aunque parezca más de lo mismo, sin duda no lo es. He escuchado muchos, muchos trabajos de blues desde hace muchos, muchos años y en la mayoría siempre había una guitarra sonando (lo siento, me pierde mi debilidad...); me he encontrado de todo, pero salvo en contadas ocasiones, quince o veinte, todo estaba impregnado de la misma "pátina", el mismo "color", el mismo "olor". Me siento bien rodeado de esos olores y colores, pero cuando la música llega a mí como un perfume revelador o un color poderosamente llamativo, me doy cuenta de la realidad, de dónde están algunos y de dónde están otros (y desafortunadamente, de dónde estoy yo).

"Fresh Catfish" es es un disco enteramente acústico (lo siento por los lectores "eléctricos") y repleto de sonoridad, he ahí su grandeza. Este artista no necesita pedales de efectos y demás conservantes y colorantes que muchos usan para darle algo a su música de ese "sabor, color y olor" de los que hablaba antes. Me atrevería a decir que Catfish Keith es de lo más original que he podido oir, por lo menos en cuanto a técnica musical se refiere, y esto es una aseveración muy aventurada viniendo de mí, se los aseguro. Su manera de "atacar" las cuerdas demuestra que tiene una mano derecha prodigiosa; el uso del "slide" es refinado y exquisito, sin florituras pero repleto de limpieza y la interpretación vocal tiene su punto de interés. Podría pasarme el día entero aquí echando flores a este guitarrista pero no quiero cansar ni cansarme. La elección de este trabajo para su comentario fue sin razón específica, cualquier disco de Keith hubiese sido igual a la hora de catalogarlo como algo especial.

Totalmente recomendable para la gente que disfruta del blues acústico, el resto de oyentes ya saben a qué atenerse...

http://catfishkeith.com/index.html

Pink Anderson - "She Knows How To Stretch It"

2010-11-08T16:19:00.003Z

A los que no les apetezca ver un "Video-ladrillo", no pulsen PLAY.

(8^)

Como referencia también adjunto el enlace a un trabajo de Pink Anderson sobre el que escribí hace tiempo en este mismo blog.

http://bluescomentado.blogspot.com/2007/06/pink-anderson-carolina-blues-man.html

Salud!

How To Play Delta Blues Guitar

2010-11-07T13:43:00.006Z

Este trabajo musical realizado por Nick Katzman (guitarra) con la colaboración de Ruby Green (voz) estuvo en mi "lista de más buscados" (MOST WANTED) durante mucho tiempo. Mi empeño por recopilar la mayor parte de los LP´s publicados durante los años 70 en el desaparecido sello discográfico Kicking Mule (KM de ahora en adelante), me llevó a encontrar esta pequeña joya.

Como un gran número de trabajos editados en dicho sello, representa simplemente una muestra del "Blues Revival" llevado a cabo en las décadas de los 60 y 70; esto quiere decir que salvo excepciones, no nos encontraremos con muchas novedades en el campo del blues, sino versiones, recreaciones y adaptaciones de lo hecho por "los clásicos" hacía ya 30 o 40 años antes. Sin embargo, las grabaciones de KM (como esta) poseen una calidad excelente en cuanto a músicos y sobre todo técnica musical. Artistas preocupados por estudiar a los viejos bluesmen, plasmaron su trabajo en unos LP´s con cierto aire instructivo (muchos venían con la TABLATURA incluida) y repletos de exquisito material interpretado en su gran mayoría con un excelente gusto y una técnica envidiable.

"How To Play Delta Blues Guitar" es un disco lanzado en el año 1976 y pese a no ser de lo mejorcito de KM, merece la pena su audición. La base instrumental la lleva el guitarrista Nick Katzman y la voz la pone Ruby Green, que tras un poco de investigación podemos hallar que se trata en realidad de la cantante y guitarrista Terry Garthwaite, miembro del grupo Joy of Cooking. Incluye 14 temas enteramente acústicos y con claras reminiscencias a algunos artistas de country-blues de la década de los 20-30 (en particular a Blind Blake o Rev. Gary Davies).

Sin profundizar más (como dije en mi anterior post, no quiero retomar el blog y convertirlo en un peso para mi y por ende para ustedes), les dejo con una pieza incluída en este trabajo.

Salud!

¡Sorpresa!

2010-11-05T18:29:00.000Z

Hola a todos.

Se está acabando el año 2010 y mi último post en este blog fue hace más de 2 años. Hoy pasé por aquí movido por no se qué extraña razón y sentí sorpresa por el número de visitantes recibido hasta el día de hoy. Asombroso. No mencionaré la cantidad porque creo que no la merezco.

Abandoné por completo el blog debido diferentes razones, probablemente excusas la gran mayoría de ellas, y aún así descubro hoy, dos años después, que sigo recibiendo visitas y comentarios de ánimo, felicitaciones y demás elogios. No tengo palabras, de verdad...

Lo único que puedo decir es GRACIAS, MUCHAS GRACIAS.

Después de estas líneas que de alguna manera sentía que debía escribir, creo que prepararé un nuevo post en los sucesivos días. Sin intención de darle continuidad (se cómo va esto y sobre todo cómo soy) iré paso a paso. Cuando me apetezca, escribiré, ya que si lo hago de otra manera, volvería a cargar una cruz a mis espaldas.

Mi colección musical ha crecido inversamente proporcional a mis gustos musicales; es decir, cada vez soy más "YO" y menos "ELLOS"... ¿Error?, ¿Acierto?, ¿Problema?... Ni lo se ni me importa. Seguiré escuchando la música que me gusta, y trasladando aquí mis impresiones, críticas y opiniones.

De paso haré una "lavada de cara" al blog (cambio de plantilla, banner, enlaces, etc) para que me sirva de acicate a la hora de continuar manteniéndolo vivo (moribundo en realidad).

Hasta aquí por hoy.

Gracias de nuevo a los que han pasado por aquí y más gracias a los que están leyendo estas líneas, los que nunca se han ido, los que siempre estarán.

Amor para todos.

Salud!

Foros Gratis

2008-09-21T19:24:00.000+01:00

Dedico este "post" enteramente a un sitio web bastante interesante. forums-free es útil para aquellos que les apetezca incluir en su web personal su propio foro o para los que pertenezcan a una pequeña comunidad y necesiten añadir un espacio en el que los usuarios puedan expresar sus ideas u opiniones.

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Para los más exigentes, hay disponible posibilidades de aumento de espacio y asesoramiento por personal atento y cualificado.

Charley Patton: Founder of the Delta Blues

2008-04-05T16:13:00.012+01:00

A Charley Patton se le debe mucho en la historia del blues y su desarrollo, siendo considerado el fundador del estilo Delta y uno de los primeros artistas de blues en ser famosos y vender discos a gran escala. La influencia de Patton se extendió por muchos grandes bluesmen como Howlin' Wolf, Son House, Tommy Johnson, Bukka White o Hubert Sumlin entre otros.

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Charley Patton nació en una granja situada entre Edwards y Bolton, en pleno corazón del Delta del rio Mississippi. Su fecha de nacimiento es algo incierta ya que no existe un registro claro de la misma; se especula que ocurrió entre 1881 y 1891, probablemente en 1887. Charley provenía de una familia numerosa y trabajadora del campo, que trabajaba en la legendaria plantación de Will Dockery donde también habitaron John Lee Hooker, Muddy Waters y Robert Johnson. Su padre biológico posiblemente fue Lonnie Chatmon, violinista de los Mississippi Sheiks , quien fuera viejo pretendiente de su madre. De hecho, su relación con la familia Chatmon fue siempre tan estrecha que lo llamaban hermano. Además se cree que Sam Chatmon (guitarrista sobrevivente de los Mississippi Sheiks , redescubierto en el folk blues revival de los 60) era su hermanastro.

La vida de Charley Patton fue conflictiva desde un principio. Fue acusado de ser payaso, donjuán y pendenciero. Se cuenta además que azotaba y golpeaba a sus mujeres. Fueron sus escaerceos sexuales y amorosos lo que le ocasionaron que fuera despedido de la plantación a principios de los años 20, iniciando asi su carrera como músico. Oficialmente, los primeros contactos que el joven Patton tuvo con la música fueron a través de Henry Sloan, bluesman misterioso que se convertiría en su mentor y que posteriormente le enseñaría un tema que se convertiría en su mayor éxito: "Pony Blues".

Patton grabo unas 54 composición entre los años 1929 y 1934, la mayoría de las cuales están en muy mal estado. Founder of the Delta Blues contiene casi la mitad de estos cortes (26temas) que son de audiencia básica tanto para el oyente común de country blues como parar los fans más acérrimos de Patton (me incluyo entre ellos).
Founder of the Delta Blues fue lanzado por primera vez en 1969 por el sello Yazoo, y reeditado en CD en 1995 y 2001.

Desde el inicio del álbum el genio innegable de Patton captura al oyente con sus primitivas pero embriagantes armonías en la guitarra. En ”Down the Dirt Road” hace gala de su técnica y estilo. En la melodía de este tema alterna progresiones rítimicas con golpeteo en la caja de la guitarra, consiguiendo así un sonido único, el mismo que Bukka White retomó y perfeccionó. Destacan también ”Spoonful Blues”, un diálogo entre la voz y el slide, la seca e hipnótica “Dry Well Blues”, el arpegio letárgico de “Green River Blues” y la cadenciosa “Shake It and Brake It”.

Las letras del albúm están repletas de referencias sobre la vida de Charley, sus aventuras, peleas desventuras, sus amoríos y experiencias sexuales, como en “It Won´t Be Long”, pieza que termina con el sugerente verso: ”Got a long tall woman, long tall like a cherry tree, she gets up ‘fore day and she put that thing on me”. Canciones como ”Tom Rushen Blues” y “High Sheriff Blues” por su parte, narran la brutaliadad policiaca y el encarcelamiento injusto, mientras que se habla de la fiesta y la diversión en canciones como ”Elder Green Blues”.

Pero como sin sufrimiento no hay blues, los temas tristes o trágicos no podían faltar en este CD. La desoladora “Poor Me” grabada tres semanas antes de morir en 1934, no deja de ser un tanto permonitoria ya que en ella se despide de su esposa Bertha Lee (“Yes on me, it's poor me, you must take pity on poor me. I ain't got nobody, take pity on poor me .You may go : you may stay .But she'll come back : some sweet day .Bye and bye sweet mama, bye and bye”). Igualmente, temas como “Bird Nest Bound” hablan del abandono de la pareja y el vagabuendeo. Uno de los temas mas famosos de Patton que viene incluido en este disco, es “High Water Everywhere”(pts. 1y 2) en el que narra con crudeza los horrores ocurridos en la inundación del Delta en 1927, cuando el río Mississippi salió se su cauce desbordándose junto con todos sus afluentes. Basta mirar las letras para darse cuenta de la magnitud de la tragedia y el impacto que provocó en Charley: "Backwater at Blytheville, backed up all around . It was fifty families and children come to sink and drown, So high water was risin' our men sinkin down. It was fifty men and children come to sink and drown. Oh, Lordy, women and grown men drown. I couldn't see nobody home and was no one to be found".

En resumen, Founder of the Delta Blues es un albúm básico para casi todo oyente de blues. Para los consumidores de blues rock y/o blues moderno, por su parte, les parecerá interesante aunque no esencial. Los fans de Patton o del blues del Delta lo encontrarán insuficiente y pedirán más, pero aun así es una obra básica no solo para entender el blues sino el desarrollo de la música popular norteamericana en el siglo XX.

Texto creado por Eliot Rogers desde México, el nuevo colaborador de este blog!!

Founder of the Delta Blues

20000 visitas

2008-03-23T12:40:00.017Z

Pese a que soy consciente de que "Blues Comentado" es uno de los pocos blogs en español (que yo haya encontrado) dedicados al blues exclusivamente (y en especial al country-blues), nunca pensé que llegaría a tener 20000 visitas. También soy consciente de que este cifra es casi ridícula comparada con la de otros sitios, pero parto de la base de que este blog es monotemático y además, basado en el blues (o country-blues)...y ¿¿¿a quién le interesa este tema???...

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Las circunstancias de mi vida, la falta de tiempo y la escasez de comentarios en el blog, o los hechos desde la falta de respeto, desde la envidia o directamente desde la estupidez, han conseguido que el tiempo dedicado a este sitio haya ido disminuyendo paulatinamente hasta el punto de plantearme varia veces dejar de escribir en él. Pero hay algo que me "obliga" y me impulsa a pasar por aquí casi a diario, aunque sea sin escribir...como si fuese un hijo pequeño que hay que vigilar o un animal de compañía que hay que alimentar.

La cuestión es que estas 20000 visitas suponen un orgullo y un autoreconocimiento al trabajo y el tiempo dedicado a "Blues Comentado". Es por eso que quiero dar las gracias otra vez a todos los visitantes usuales (aunque sean unos pocos), a los blogs que me han enlazado (sin ellos, éste lugar no sería nada) y aunque suene absurdo, a esta maravilloso "sitio" que llamamamos internet por ofrecerme la oportunidad de compartir, exponer y dar a conocer una de mis pasiones más duraderas y amadas: El Blues.

Estos son algunos gráficos que me gustaría mostrarles (click para agrandar):

Visión global de visitantes:

Estadísticas por países:

Ciudades de España:

Ciudades de Estados Unidos:

Ciudades de Argentina:

Test

2008-03-18T17:36:00.000Z

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John Hammond: Got Love If You Want It

2008-03-16T23:30:00.015Z

John P. Hammond nacido John Paul Hammond, 13 de noviembre de 1942, Nueva York y es hijo del famoso productor y cazatalentos John Henry Hammond Jr. (Curiosamente, John Hammond es conocido como "John Hammond Jr", que es de hecho, el nombre del padre).

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Hammond generalmente toca guitarras acústicas (especialmente National) y desarrolló, sobre todo en sus comienzos, un estilo de blues basado en el "barrelhouse". Desde 1962, cuando hizo su debut en Vanguard Records, Hammond ha publicado veintinueve álbumes grabando entre otros para el sello discográfico Pointblank. Ganó un Grammy y ha sido nominado a otros cuatro. Entre algunos trabajos, también ha compuesto bandas sonoras como la de la película "Little Big Man" (1970), protagonizada por Dustin Hoffman.

Aunque aclamado por la crítica, Hammond ha recibido un moderado éxito comercial; en cualquier caso, goza de una sólida base de fans y se ha ganado el respeto de la gente como John Lee Hooker, Roosevelt Sykes, Duane Allman, Robbie Robertson, y Charlie Musselwhite, quienes han contribuido con colaboraciones en diversos trabajos del artista. Además, es el único músico que ha tenido tanto a Eric Clapton y Jimi Hendrix en su banda al mismo tiempo, aunque sólo fuera durante 5 días en la década de lo 60 cuando Hammond tocaba en el Gaslight Café de Nueva York. Desgraciadamente, nunca se grabó ninguna de esas sesiones. Igualmente, colaboró e incluso estuvo de gira con Bob Dylan y ha realizado canciones para Tom Waits debido a la estrecha y larga amistad con el cantautor.

(ante la escasez de tiempo de la que dispongo, esta biografía está extraida de Wikipedia y traducida como buenamente pude)

http://www.rosebudus.com/hammond/

Reconozco que Hammond nunca ha sido "santo de mi devoción"; he escuchado algunos de sus álbumes y me pasa como con otros muchos músicos: sus trabajos no son "completos", "redondos", ya me entienden... Hay temas muy buenos pero siempre seguido de otro que no lo es tanto, generalmente con demasiado aire pop o folk; esto me desagrada profundamente, sobre todo tratándose de un artista de blues de semejante categoría. Por otro lado, también aclaro que me encanta el folk, tanto el americano como el británico, pero eso es otro tema.

Con Got Love If You Want It, tuve la misma sensación que con los demás álbumes del artista que he oído, aunque la ejecución con la guitarra (sobre todo con la National) siempre la da un plus de categoría a los trabajos de Hammond.
Editado por el sello Pointblank en el año 1992, consta de 10 temas, y dejando a un lado mi gusto y manías recién explicadas, Hammond interpreta con maestría todos los cortes, demostrando que es un gran guitarrista y un no menos cualificado armonicista. Su voz, sin ser extremadamente curtida, cumple con lo exigido.
Los veteranos J.J. Cale y John Lee Hooker así como Little Charlie & The
Nightcats colaboran en el álbum. La producción también es de J. J. Cale.

Disco recomendable, agradable, con dosis justas de "velocidad rocanrolera" y pequeñas pinceladas de maestría acústica, suficientes para reconocer a un gran guitarrista. Para los muchos fans de Hammond, probablemente este no será su trabajo predilecto, para mí simplemete es uno más de los que ha editado en las últimas décadas, lejos ya de sus comienzos como rescatador e intérprete de blues rural.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Got Love If You Want It

Link del Día

2008-02-01T13:22:00.000Z

Se me vuelve a presentar una oportunidad de oro para “mantener” de alguna manera este blog. He recibido una oferta de un sitio web en la que se me comunica su deseo de publicitarse aquí, y este post va dedicado enteramente a dicha web.

En esta ocasión, el link del día le corresponde a una página llamada Logo Design.
Básicamente es un sitio mediante el cual se puede diseñar, de manera más o menos personalizada, distintos tipos de tarjetas de visita. La manera de hacerlo es extremadamente sencilla pero no por ello menos efectiva; posee un sistema de “pasos a seguir” por medio de los cuales iremos eligiendo el logotipo (dentro de una amplísima gama), la fuente del texto y la disposición de dichos elementos en una variada oferta de tarjetas pre-diseñadas.
Nada es gratis, evidentemente, pero los precios no son abusivos.

Sinceramente, con un poco de idea de diseño y manejo de cualquier programa de dibujo, lograremos resultados similares sin gastarnos dinero alguno, pero la sencillez del sitio en cuestión y de su funcionamiento, lo hacen muy recomendado para gente con prisa o sin recursos a su alcance, o puede servir simplemente para obtener ideas rápidas sobre un posible resultado futuro de nuestra tarjeta de visita.

1 año

2008-01-16T19:38:00.000Z

Pues eso, que este blog cumplió un año de su creación en el pasado mes de Diciembre.

Gracias a todos por las visitas, los comentarios y demás...

Aprovecho para comunicar que a partir de ahora (y en vista del poco respeto de algunos visitantes hacia este sitio, probablemente por envidias u otros males que azotan a la humanidad...) los comentarios además de ser supervisados por mí (aunque siempre acabo publicandolos todos) sólo los podrán hacer usuarios de Google, por aquello de evitar la crítica fácil escudada en el anonimato.

Por otro lado, quisiera pedir disculpas porque últimamente la frecuencia de publicación es algo baja. Realmente tengo el tiempo justísimo, aunque no tengo la menor intención de "abandonar".

Mil gracias.

Carolina Slim: Complete Recorded Works (re-post con música)

2007-12-26T13:31:00.000Z

Sorprendente álbum en el que se demuestra la influencia del trabajo de Lightnin´ Hopkins en la obra de un artista nacido en la costa este. Esta influencia se produce probablemente gracias a las múltiples grabaciones de Hopkins destinadas a los Juke Box y a las que indudablemente Carolina Slim tuvo acceso en su ciudad natal y en sus posteriores migraciones por la costa este del país.

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Carolina Slim (Ed Harris era su verdadero nombre) nació el 22 de Agosto de 1923 en Leasburg (N. Carolina) y fue hijo de un guitarrista del que recibió las primeras influencias. Se trasladó a Newark (New Jersey) probablemente buscando estar lo más cerca posible de la actividad de grabación y a la vez huir del sur. Como otros muchos bluesman, Harris adoptó diversos pseudónimos para poder grabar con diferentes sellos discográficos, así encontramos lanzamientos en el sello Acorn, Savoy y Sharp bajo los distintos nombres de Jamin´ Jim, Country Paul, Paul Howard, Lazy Slim Jim y Georgia Pine. Tras pasar por diversas compañías y adoptar otros tantos nombres, Ed Harris murió a los 30 años de edad en New Jersey dejando un legado musical de 27 temas recogidos en este CD.

Lo más curioso de este trabajo es comprobar la extraordinaria similitud técnica y vocal que hay entre Ed Harris y L. Hopkins, y no son meras sutilezas o parecidos casuales; la tesitura de su voz, la manera de "atacar" las cuerdas de la guitarra y las melodías ejecutadas son en ámbos artistas extremadamente parecidas. No obstante, también hay otras influencias de bluesman de su zona como en la versión de "Rag Mama" de Blind B. Fuller. Carolina Smith fue uno de los últimos en intentar triunfar tocando country-blues acústico en una época en la que la electricidad ya había llegado a la música y Muddy Waters o B.B. King ya tomaban posiciones en los escenarios.

Los 27 cortes recogidos en este excelente lanzamiento del sello Document fueron grabados entre 1950 y 1952 en 6 sesiones distintas. Generalmente el artista en solitario o acompañado por un guitarrista (desconocido) y por un baterista (o washboard) desconocido también. Estas obras completas son el legado de un bluesman, la última manifestación del country-blues antes de ser engullido por el blues eléctrico y la demostración de que el blues y sus influencias se había expandido por todas las zonas del país.

Los seguidores de L. Hopkins disfrutarán de este trabajo y los amantes del blues rural también encontrarán cierto atractivo musical e histórico.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Complete Recorded Works 1950-1952

¡¡GRACIAS!! / ¡¡THANKS!!

2007-12-18T14:51:00.000Z

Kenny Sultan: West Coast Blues

2007-12-11T10:37:00.000Z

Kenny Sultan es un guitarrista al que conocí por uno de sus métodos didácticos, pero no me había llamado suficientemente la atención ninguna grabación suya, hasta que cayó en mis manos esta maravilla titulada West Coast Blues; llegó el turno de comentar un poco este trabajo.

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Kenny Sultan nació el 22 de Marzo de 1950 y pasó sus años de juventud tocando la guitarra eléctrica en grupos de garage-rock hasta que se mudó a Santa Barbara y asistió a la universidad obteniendo la titulación en “Black Studies”. Es en los locales de Los Angeles donde entra en contacto directo con Lightnin' Hopkins, John Lee Hooker y Sonny Terry.

Cuando conoció al armonicista Tom Ball, su actual compañero musical, formaron un dúo en el que se dedicaron a interpretar a los clásicos y a mantener vivo la variante acústica del blues con la nota humorística y satírica que tanto los caracteriza. Las influencias son claras: Sonny Terry y Brownie McGhee, Rev. Gary Davis, Blind Boy Fuller o Blind Blake entre otros.
Tanto Sultan como Ball, han destinado parte de su tiempo y esfuerzo a publicar métodos didácticos musicales obteniendo así un gran reconocimiento por su labor de difusión del blues.

West Coast Blues está editado por el sello Acoustic Music Resource y consta de 17 temas estrictamente acústicos e instrumentales. Sultan consigue crear un atmósfera totalmente particular durante toda la audición y muestra sin reparos todo su buen hacer con la guitarra acústica. Distintas variantes del blues (Delta, Texas, Piedmont…) son “expuestas” con la elegancia y destreza de un gran guitarrista y un gran estudioso de dichas variantes musicales.

Técnicamente, el fingerpickling tiene una predominancia absoluta, aunque algún tema con el slide hace aparición sin desentonar lo más mínimo con el resto del repertorio. El sonido de guitarras acústicas con cuerpo de madera se alterna con el inconfundible sonido metálico de las guitarras resonadoras de las que Sultan saca un partido excelente.

A pesar de estos comentarios, West Coast Blues es un álbum que puede llevar a confusión; solamente recomiendo este trabajo para amantes del blues acústico (preferiblemente guitarristas), para oyentes que aprecien la música instrumental de manera justa y para los amantes del fingerpicking o el piedmont style. Para los oyentes de blues estándar, creo que les sobra, y para los neófitos en el blues…nunca es tarde para empezar.

http://www.tomballkennysultan.com/

Cómpralo Aquí/Buy It Here: West Coast Blues

Willie Trice: Blue & Rag´d (re-post con música)

2007-12-04T12:40:00.000Z

La manera en que conocí a Willie Trice fue casual y ocurrió igual que con otros muchos bluesmen; vi su nombre en no sé qué sitio y el resto lo hizo mi curiosidad y mi instinto que una vez más no me defraudó. En Blue & Rag´d descubrí otro álbum maravilloso con algunos guiños a los clásicos y con mucho blues de categoría.

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Willie Augusta Trice nació el 10 de Febrero de 1910 en una zona rural cercana a Durham (Carolina del Norte) interesándose pronto en la música debido a que su madre era la organista de la iglesia del pueblo y su padre tocaba la guitarra. Allá por 1927, Willie ya tocaba a dúo con su hermano menor, Richard, en bailes y fiestas locales. También solía oír los 78´s de blues que llegaban a la pequeña tienda de discos de Durham y conocía muy bien el sonido de Blind Willie Johnson, Buddy Moss, Blind Blake o Josh White. Fue en 1935 cuando oyó por primera vez a Blind Boy Fuller quedando fascinado con su estilo. La sorpresa fue mayúscula cuando se enteró de que estaba viviendo en el propio Durham. Tras conocerlo personalmente fueron buenos amigos hasta la muerte de éste en 1941. Los hermanos Trice lo acompañaron a Nueva York en 1937 para realizar unas tomas para el sello Decca y consiguieron grabar 6 cortes de los cuales se editaron 4. Después de eso su hermano logró grabar alguna vez más bajo el pseudónimo de Little Boy Fuller (¡!) pero Willie permaneció en su pequeño pueblo realizando diversas ocupaciones como empleado en una gasolinera o en la construcción. Nunca estuvo interesado en trasladarse al Norte como hizo la mayoría e incluso no solía permanecer mucho tiempo en Durham volviendo siempre al campo cada vez que podía.
En 1969 Bruce Bastin, autor de “Crying for the Carolinas” y productor de este álbum fue en busca de “los Trices” y afortunadamente dio con Willie que seguía en su pueblo natal. Había perdido una pierna por culpa de la diabetes pero seguía estando musicalmente en forma y continuaba tocando sus viejas canciones, adaptándolas y escribiendo nuevo material. Willie tocó en el National Folk Festival y grabó alguna vez más. Murió en 1976.

Blue & Rag´d fue grabado en Durham entre 1971 y 1973 y lo editó el sello Trix. Está compuesto por 12 temas en los que Trice canta y toca la guitarra sin otro instrumento ni colaborador añadido. Es un trabajo sobrio pero excelente, tanto en el contenido musical como en el aspecto interpretativo. Pese a que las influencias son notorias, Willie Trice demuestra con creces que su estilo es totalmente personal. Las líneas de bajo llevan la firma Gary Davis y las melódicas son una mezcla de Buddy Moss y Josh White pero con un resultado único. El particular sonido de la National que tan bien maneja Trice contribuye a ese carácter especial.
Usualmente toca en tonalidad de Mi o Si en cuanto a posiciones se refiere, pero a menudo utiliza el “capo” en Re o Si. Su destreza es manifiesta en los temas rápidos manteniendo el ritmo de una manera soberbia. No hay que olvidar que hablo de un estilo netamente de “las Carolinas” (Piedmont) en donde los bajos alternos y el uso del pulgar de manera especial cobran una importancia notable. Obviamente el trabajo con púa es inexistente.

Con estos 12 cortes de composición propia, de un inconfundible sabor rural y con las múltiples referencias sonoras a Fuller, Blake, Davis, Moss y White, Blue & Rag´d se convierte en una auténtica joya sonora además de un excelente álbum para acercarse a este gran desconocido del Piedmont Blues.
Una delicia.

Paul Rishell & Annie Raines: Moving To The Country

2007-11-28T16:17:00.000Z

Este maravilloso CD cayó en mis manos hace unos 7 años de la forma más casual e inesperada: Apareció en una de las cajas de discos que llegaban a la tienda en la que trabajaba (me dediqué a la venta de música durante varios años de mi vida, informo…) sin que aparentemente nadie lo hubiese solicitado; desconocía por completo a los artistas, pero como casi siempre, tan solo bastó ver la portada para juzgar al interior y dejarme llevar por la antigua emoción de abrir un CD original; no me equivoqué en mi juicio prematuro. Tras el descubrimiento y con los años, me hice con el resto de la discografía de este magnífico dúo; en sucesivos posts comentaré dichos trabajos.

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Moving To The country es un álbum de los que yo llamo “enteros”, es decir, geniales de principio a fin. Publicado en el año 1999 por el sello Tone-Cool Records, consta de 13 temas de absoluta valía, en los que Paul Rishell demuestra con creces que es uno de los máximos exponentes actuales como guitarrista de country-blues, y Annie Raines deja patente su buen hacer con la armónica (en realidad he de reconocer que me cautivó por completo, no sólo por su belleza sino por lo que significa para mí ver a una mujer tocando un instrumento musical y aún más si es con destreza y gusto).

El CD combina a la perfección las creaciones propias del dúo y las versiones de algunos clásicos, además de estar claramente representadas distintas variantes del propio blues: country-blues, blues eléctrico, pre-war blues, blues acústico…
Entre las versiones que realizan, destacan según mi gusto, “I Get The Blues” y “Twist It Babe”, originarias de Bo Carter, en las que P. Rishell deja claro que domina a la perfección el estilo de este gran guitarrista e intérprete; el tema de Joe Calicott, “Fare Thee Well” o “My Washerwoman´s Gone” del célebre dúo Kansas Joe McCoy y Memphis Minnie sirven como ejemplo del blues hecho en los años 30; varios interpretaciones de corte más moderno como “Good Women Have Bad Days” o “Turning Corner”, representan las composiciones del dúo, y la “guinda” la pone el instrumental “Tears” del celebérrimo y maravilloso Django Reinhardt.

Aparte de la ejecución impecable con la armónica, Annie Raines demuestra que está lo suficientemente capacitada y cualificada para ejercer el papel de vocalista cuando es necesario, e incluso realiza pequeños “escarceos” interpretativos con la mandolina de calidad apreciable. El trabajo de Paul Rishell queda fuera de toda cuestionabilidad tanto en la parte vocal como en la instrumental: domina de manera magistral tanto las diferentes afinaciones que utiliza en la guitarra como los distintos estilos: eléctrico, acústico, ejecución con púa o fingerpicking. Absolutamente maravilloso.

En definitiva, Moving To The Country es un disco genial y completamente satisfactorio en todos los sentidos. Uno de mis preferidos.

http://www.paulandannie.com/

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Moving to the Country

Albert Cummings: The Long Way

2007-11-14T21:31:00.000Z

Hacía tiempo que no hablaba del blues moderno; sinceramente, y como muchos de ustedes ya habrán adivinado, no soy muy fanático del camino que ha tomado el blues en la última década, entre otras cosas porque escasea la originalidad y todo me suena a algo anterior…a “música trillada”. Esto lo justifico gracias a mi teoría de que en la música “ya está todo hecho”; esta afirmación me ha acarreado grandes detractores y muchas discusiones al respecto, pero hasta el momento no he cambiado de opinión; soy un “reaccionario musical”, lo siento.

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Pese a que el disco comentado en esta ocasión no se salva de esta teoría personal, el excelente trabajo con la guitarra de Albert Cummings en “The Long Way” hacen que este álbum merezca ser incluido mi blog.

The Long Way es un álbum editado en el año 1999 y es el primer trabajo oficial de Cummings. Consta de 9 temas de blues rock eléctrico al más puro estilo del fallecido Stevie Ray Vaughan, músico que siempre me ha fascinado. A pesar de que actualmente me dedique a escuchar pre-war blues o blues acústico en general, Vaughan ocupará por siempre un lugar destacadísimo en mis influencias, colección discográfica y respetos rendidos. Desde la primera nota del CD, se percibe en Albert Cummings la misma sensación.

El disco es de gran dinamismo y velocidad, lleno de solos de guitarra de “alto voltaje”, acompañamientos exquisitos y una voz lo suficientemente valiosa como para “empastar” con garantías el resultado final: Sonido puramente Stratocaster, formación de trío, riffs propios del mejor rock-blues tejano y potencia, mucha potencia.
Temas como “The Long Way” o “Old Dog” son indiscutiblemente “vaughanianos”; “Lonely Bed” pone la nota lenta y sentimental (recordando al famoso “Texas Blues”, también de Vaughan); el resto de cortes son de onda boogie-woogie (“Pull The Shades” o “Where Did I Go Wrong”) pero siempre, siempre, sonando a Stevie Ray…

Para los que no conocen a fondo la discografía del malogrado guitarrista tejano, este trabajo de Albert Cummings tiene algo más que un valor comparativo, para los conocedores de Vaughan, tendrán que elegir entre oír un “semi-clon” o un “imitador” o disfrutar con un músico que mantiene vivo el espíritu del blues-rock tejano…depende del cristal con que se mire.
Que cada cual elija…

http://www.albertcummings.com/

Cómpralo Aquí/Buy It Here: The Long Way

Prison Blues

2007-11-04T17:23:00.000Z

En esta ocasión el álbum comentado es un variado titulado “Prison Blues”. Básicamente es un recopilatorio de blues del primer cuarto del siglo XX pero con la particularidad de que todos los temas incluidos hacen referencia al mundo de las prisiones, cárceles y en general a la privación de libertad.

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Muchos de los bluesmen incluidos en el CD pasaron algún que otro momento en prisión o tuvieron relación directa con dicho ambiente. Obviamente, sólo por el hecho de ser negros, ya tenían muchos “boletos” para ser apresados por cualquier disturbio, prostitución, alcohol durante la “ley seca”, peleas o mendicidad…

Prison blues es un álbum que reúne a muchos de los grandes intérpretes del pre-war blues como Blind Blake, Bukka White, Blind Boy Fuller, Leadbelly, Leroy Carr o Peg Leg Howell entre otros.
El disco consta de 23 cortes y fue editado por el sello Catfish en el año 2001. Todos los temas son, evidentemente, acústicos y en ellos podemos apreciar, aparte de la sublime técnica musical y vocal de los intérpretes, la estrecha relación que tuvieron todos con las cárceles o presidios. Las letras hacen continuas referencias, de manera directa o indirecta a las penurias pasadas en prisión, los injustos motivos que les condujeron a ella, o múltiples ruegos y peticiones de clemencia para salir de allí…

Blind Lemon Jefferson nos deleita con su “Penitentiary Blues”, lleno de sentimiento y técnica inigualable; Bo Carter nos presenta una de las joyas del álbum, el tema “The County Farm Blues”; Bukka White canta su tema más conocido y recurrido, el fantástico “Parchman Farm Blues”; artistas menos conocidos como Julius Daniels (“Ninety-nine Years Blues”), Merline Johnson (“Crime Doesn´t Pay”) o Frank Busby (“Prisoner Bound”), eterno acompañante de Bill Gaither entre otros, completan el repertorio de este genial y curioso recopilatorio.

Extremadamente recomendado para los seguidores del pre-war blues, blues acústico y coleccionistas de blues; los artistas menos conocidos y sus interpretaciones bien valen este CD, exceptuando que se posean ya las obras completas de los citados músicos. Para los seguidores estándar de blues, este CD sonará “demasiado viejo” o aburrido; para el resto probablemente sonará a chino…

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Prison Blues

Stefan Grossman: Love, Devils and the Blues

2007-10-28T10:47:00.000Z

Stefan Grossman es, sin duda, el guitarrista al que más le debo exceptuando, claro está, a los bluesmen de la primera mitad del siglo XX. Sus trabajos me acercaron sonoridades desconocidas; sus múltiples métodos me enseñaron un nuevo estilo musical y sus influencias son absolutamente reconocibles en mi estilo interpretativo.

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Después de llevar más de 15 años interpretando con las seis cuerdas (clásica y eléctrica) y pasar por diferentes etapas y estilos, Grossman puso ante mí una nueva manera de entender el blues y la guitarra: el fingerpicking. Gracias a él conocí a los grandes del pre-war blues y gracias a sus métodos y transcripciones, mi repertorio musical creció de manera notable. Con Grossman hubo un antes y un después en mi manera de tocar la guitarra.

Nacido en Brooklyn, Nueva York el 16 de Abril de 1945, la juventud de Grossman estuvo marcada por las enseñanzas e influencias que recibió de Gary Davis. Estuvo estudiando con él durante muchos fines de semana, y tras su paso por el instituto tuvo la suerte de recibir lecciones del propio Skip James, Mississippi John Hurt o Mance Lipscomb.
Ya en los años 60, formó parte de los Even Dozen Jug Band. Al poco tiempo se trasladó a Gran Bretaña en donde fundó el desaparecido y prestigioso sello discográfico Kicking Mule. Allí Vivió durante la década de los 70 donde se labró su gran reputación como guitarrista acústico participando en diversos festivales.

Actualmente se dedica al negocio de los dvd´s y libros instructivos, a parte de seguir dando giras y recitales constantemente.

El álbum escogido para comentar se titula Love, Devils and the Blues. La razón es simplemente cronológica: fue el primer disco de Grossman que añadí a mi colección. No es mi preferido ni creo que sea su mejor obra, pero representa de alguna manera el estilo de este genial artista. El CD está editado por el sello Shanachie y recopila diversos temas grabados por Grossman en su época europea. Consta de 17 cortes totalmente instrumentales llenos de música acústica, blues, afinaciones alternativas y una técnica exquisita. Constantemente aparecen referencias sonoras que evocan directamente pasajes de Gary Davis, Blind Willie Johnson, Lemon Jefferson o M. J. Hurt.

Grossman utiliza afinación estándar, open G, vestapol, open Gm , guitarras de 6 y 12 cuerdas, Stellas, Franklins, líneas melódicas de gran belleza, bajos alternos bien marcados, piezas interpretadas con slide... Álbum exquisito en todos los sentidos: simpática portada, datos musicales del libreto e incluso tablatura que acompaña al CD original.

En mi colección particular hay muchos álbumes de Grossman y Love, Devils and the Blues sirve de ejemplo como cualquier otro para acercarse a la obra de este semidesconocido y poco valorado (para muchos) guitarrista, estudioso y maestro.

Sólo me resta decir: Gracias Stefan.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Love Devils and the Blues.

Link del día

2007-10-24T19:23:00.000+01:00

"The Modern Man" es el link elegido para comentar en el día de hoy. Muchos se sorprenderán por encontrar un tipo de enlace como este en Blues Comentado, pero gracias a los ingresos que me proporciona ceder espacio para dar publicidad al mejor postor, no se me hará "tan duro" mantener este blog.

The Modern Man es una página curiosa y sorprendente, me explico: Supuestamente es una "especie de guía para ligar" o algo parecido. Te ofrecen cursos para conocer a mujeres, o mejor dicho para "cómo acercarte a las mujeres" (meeting women); técnicas, frases recurrentes, cómo ser divertido, trucos y demás chorradas por el estilo.

La página incluye algún video explicativo, oportunidad de asistir a seminarios y todo lo inimaginable para conseguir a la mujer de tu vida...Vaya panorama, no?.
Lo curioso del asunto es que la propia página se permite el lujo de pagar por anunciarse, lo cual me lleva a pensar que no les va nada mal. Esto me hace reflexionar un poco más y pensar en el manido tema de las parejas, el matrimonio, etc., etc.…
¿En qué clase de mundo vivimos, que es necesario recurrir a páginas como estas, no ya para contactar con gente via virtual(hasta ahí lo entiendo), sino para aprender a ligar, triunfar entre el sexo opuesto…como si todas la mujeres fuesen iguales? ………[silencio]……

En fin, el caso es que con The Modern Man, dejarás de ser ese chico bueno (nice guys struggle to attract women), o más bien atontado y te convertirás en un avezado ligón de barra (o un pick up artist, como ellos lo llaman), triunfador de salas de baile y sex symbol de pub de turno. Para los que están interesados en este tipo de metas y no se ven incapaces de conseguirlo por si mismos, les recomendaría un buen psicólogo, y en su defecto, alguna estupidez como esta.
Para los que no tienen problema de relación o simplemente no están interesados en caer en la peligrosa red que tejen las hembras...Abstenerse y permanecer fiel al blues, que es lo que nos interesas de verdad, no es así?.

Los que se estén preguntando por qué dedico tanto texto, y por consiguiente tanto tiempo a este post, he de confesar que para cobrar el dinero (no es un cantidad despreciable) tengo que hacer un comentario del sitio en cuestión que incluya una serie de links y que no sea menor de cuatrocientas palabras…Esa es la única razón.

Espero que no se pongan a traducirlo…aunque pensándolo bien…me da exactamente igual.

Mance Lipscomb: Songster

2007-10-16T13:34:00.000+01:00

Mance Lipscomb fue otro de tantos bluesmen que pasó gran parte de su vida en el anonimato y llegó a las masas en el blues-folk revival de los años 60. Su obra dista un poco de lo que entendemos por blues estrictamente hablando, siendo por encima de todo, un "contador de historias", un "songster"...

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Lipscomb nació el 9 de Abril de 1895 en Navasota (Texas) bajo el nombre de Beau De Glen. Hijo de un ex-esclavo y de una india. Pasó gran parte de su vida trabajando como aparcero en granjas de Texas hasta que fue "descubierto" por Mack McCormick y Chris Strachwitz en 1960. Este último era el fundador y dueño del sello Arhoolie y fue allí donde Lipscomb grabó todos sus álbumes a excepción de uno que grabó para el sello Reprise en 1970.

A partir de su descubrimiento, Mance L. participó en numerosos festivales de folk y blues en la década de los 60 hasta que se retiró a su pueblo natal en 1976. Allí murió en la pobreza tras sufrir un infarto.

Songster es el volumen número 85 de la espléndida colección editada por Orbis titulada "The Blues Collection". Realmente es una especie de extracto del álbum "Texas Sharecropper & Songster" publicado por el sello Arhoolie en el año 1960.
Songster consta de 20 temas y es una excelente muestra del estilo de Mance L.. Temas de creación propia como "Farewell" o "Ain´t You Sorry" se combinan con el repertorio más tradicional del blues como "Corrine, Corrine" o "Alabama Bound". Todos los cortes fueron grabados entre 1964 y 1973 en distintas localidades de California.

El estilo de Lipscomb es muy particular y variado; se mueve entre registros de blues clásico, baladas tradicionales, canciones pop-folk y espirituales. Estrictamente acústico, tiene una técnica de fingerpicking exquisita y una voz melódica y expresiva ideal para su repertorio. Además, tocaba con diferentes afinaciones y usaba el slide con maestría (curiosamente, solía utilizar una navaja).

El álbum es una maravilla y sirve, sin lugar a dudas, como ejemplo de la obra de Lipscomb. De carácter animado y entretenido, "songster" (o cualquiera de sus álbumes bajo el sello Arhoolie) satisfará al oyente más exigente.
Toda una delicia a un precio de risa.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Texas Sharecropper & Songster

Precious Bryant: Fool Me Good

2007-10-10T18:15:00.000+01:00

Pasé mucho tiempo intentando conseguir alguna referencia del trabajo de Precious Bryant hasta que me hice con el álbum titulado "The Truth”; no estaba mal, pero algo me decía que si indagaba un poco más, encontraría lo que presentía en mi interior… Así llegué a su album debut “Fool Me Good”.

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Precious Bryant (Precious Bussey) nació en el condado de Talbot, Georgia el 4 de Enero de 1942. Cuando tenía 6 años empezó a tocar la guitarra guiada por su padre, que además era intérprete de banjo, flauta y violín. En unos cuantos años ya estaba actuando en las iglesias baptistas de su área acompañándose de su hermana y haciéndose llamar “The Bussey Sisters”; esto fue seguido de apariciones musicales en fiestas locales y concursos de talentos de la zona, siempre bajo la influencia de la música rural.

Descubierta por el folklorista George Mitchell, comienza a grabar en 1969 y una década después actúa en el Festival Folk “Chattanooche” (Columbia); fue su primera actuación en público y obtuvo un gran éxito. Actualmente actúa de manera ocasional en shows en Atlanta y Columbia.

“Fool Me Good” es un álbum editado en el año 2002 por el sello Terminus Records y consta de 15 temas de carácter acústico. Todos fueron grabados “de una vez”, es decir sin remezclas ni ediciones posteriores. Precious interpreta de manera magistral temas tradicionales o alguna versión, como “Broke and Ain´t Got A Dime” (W. McTell). Su estilo claramente influenciado por Blind Boy Fuller o Etta Baker es el reflejo actual de toda la tradición del blues de la costa este y en especial de la zona de Georgia.

Con exquisita técnica “fingerpicking” y voz melodiosa, Precious nos ofrece en este trabajo todo su buen hacer musical; álbum agradable de escuchar, lleno de reminiscencias y de buen blues.

Una de mis últimas adquisiciones que recomiendo a todos los lectores de este blog sin temor a equivocarme.

www.preciousbryant.com

Cómpralo Aquí / Buy It Here: Fool Me Good

¡¡¡ 10000 Gracias !!!

2007-10-09T20:27:00.000+01:00

R. L. Burnside: First Recordings

2007-10-05T17:37:00.000+01:00

Este disco representa muy bien lo que yo llamo "el final del camino recorrido a la inversa". Las primeras grabaciones de R.L. Burnside es uno de los últimos trabajos de este artista que cayó en mis manos; con su audición descubrí la verdadera esencia de este músico y sin duda, su mejor aportación al mundo del blues.

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Burnside nació en el condado de Layfayette , cerca de Oxford, Mississippi en el año 1926. Vivió la mayor parte del tiempo en una zona rural del noreste de Mississippi trabajando como aparcero y como vendedor de artículos de pesca. Esto lo alternaba tocando la guitarra en fiestas privadas los fines de semana. Sus principales influencias fueron Mississippi Fred McDowell, que vivía en un condado cercano al suyo, Muddy Waters (su primo político) y John Lee Hooker.

En los años 50, se trasladó a Chicago cansado de la vida que había llevado hasta ese momento y buscando nuevas oportunidades económicas. Las cosas no le fueron excesivamente bien ya que en un mes, su padre, su madre, su hermano y su tío fueron asesinados en aquella ciudad. Esta tragedia evidentemente marcó profundamente a R.L. Burnside.

Alrededor de 1959 dejó Chicago y volvió a Mississippi para trabajar en las granjas y formar una familia. Las desgracias le persiguieron y fue declarado culpable de asesinato y sentenciado a 6 meses de cárcel. La acción de su jefe, un reputado personaje de la zona, hizo que se acortara su estancia en prisión y fue contratado por éste como conductor de tractores.

Sus primeras grabaciones fueron realizadas en 1968 por George Mitchell y editadas por el sello Arhoolie. Tras este trabajo, otro álbum con material acústico fue grabado ese mismo año y lanzado a principio de los años 80 bajo el nombre de "Mississippi Hill Country Blues".

Ya en los 90, grabó para Fat Possum, sello fundado por el editor de la prestigiosa revista Living Blues, permaneciendo fiel a dicho sello hasta el final de su carrera. Allí colaboró con el guitarrista de slide Kenny Brown, al que consideró su "hijo adoptivo". El líder de Jon Spencer Blues Explosion, Jon Spencer, se sintió atraído por la obra e historia de Burnside y le pidió que colaborase a mediados de los años 90 en giras y grabaciones; esto significó una oportunidad para nuestro artista de darse a conocer.

Continuó dando giras hasta que sufrió un ataque al corazón y fue operado en 1999. A partir de ese momento su salud fue en claro declive y los médicos le recomendaron que dejase la bebida, a la que era gran aficionado. Burnside lo hizo, pero fue incapaz de tocar nunca más.

Murió el 1 de Septiembre de 2005 en Memphis, Tennessee a la edad de 78 años dejando un legado musical y familiar importante: su hijo Duwayne Burnside es el guitarrista de la agrupación North Mississippi Allstars, su otro hijo Garry Burnside toca el bajo y perteneció a "Duwayne Burnside and the Mississippi Mafia", primer grupo de su hermano; también su nieto Cedric Burnside ha colaborado con Kenny Brown y con el propio Duwayne Burnside en diversas giras y trabajos discográficos.

R.L. Burnside´s First Recordings es un álbum excepcional; country-blues en estado puro, sensibilidad musical por doquier e interpretación técnica rozando la perfección. Burnside se acompaña únicamente de su guitarra acústica que casa perfectamente con su voz grave y melódica. El repertorio consta de 14 temas entre los que se incluyen temas como "Come On In", "Sat Down On My Bed And Cried", "Goin' Down South" (en el que se adivina una clara influencia de McDowell) o "Walkin´ Blues" (único tema del álbum que interpreta con slide). Afinaciones estándar, reminiscencias de los primeros blues de Muddy Waters (acústicos, por supuesto) y suaves acercamientos al estilo guitarrístico de John Lee Hooker.

Fantástica muestra de blues acústico del Mississippi y de largo el mejor trabajo realizado por Burnside de los que he podido escuchar. Imprescindible, como siempre, para los estudiosos y amantes del country-blues. Para el resto probablemente será aburrido y monótono, aunque al ser grabado en los 60, el buen sonido está asegurado.

Cómpralo Aquí / Buy It Here: First Recordings

Cow Cow Davenport: The Essential

2007-10-01T15:54:00.000+01:00

Charles Edward "Cow Cow" Davenport nació el 23 de Abril de 1894 en Anniston, Alabama. Empezó a tocar el piano a la edad de 12 años sufriendo por parte de su familia un constante rechazo hacia su afición musical y fue obligado a formar parte del seminario teológico en el que su madre era la organista; lo echaron por tocar Ragtime durante uno de aquellos actos religiosos...

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Allá por 1920 orientó su carrera musical tocando en medicine shows y pronto alcanzó la fama acompañando a músicos de blues como Dora Carr y Ivy Smith con las que grabó en 1925 y 1926. También trabajó como músico de alquiler para fiestas a finales de los años 20 en Chicago. Poco después se trasladó a Cleveland, Ohio en donde realizó giras con el circuito de vaudeville TOBA, grabando también con Sam Price.

En 1938 sufrió un infarto perdiendo movilidad en su brazo derecho afectándole en la manera de tocar el piano para el resto de su vida. A partir de ese momento sólo se dedico a cantar y a fregar platos en un restaurante. Allí fue encontrado por el pianista de jazz Art Hodges ayudándole en su rehabilitación y a conseguir nuevos contratos musicales. Tras algunos intentos de volver a escena durante los años 40 y sufriendo constantes enfermedades, murió el 3 de Diciembre de 1955 dejando un legado musical de gran valía.

The Essential es un doble CD recopilatorio editado por el prestigioso sello Document en el año 2002. Se recogen 36 temas en total con los que se puede disfrutar del maravilloso estilo de Cow Cow Davenport basado en el ragtime, que es una constante en todos ellos; muchos instrumentales y colaboraciones con Hound Head Henry, Lovin´ Sam Theard, Dora Carr, Ivy Smith, Jim Towel y los Southern Blues Singers. Técnica impecable en el piano, repertorio de lujo y acompañantes de gran importancia conforman este lanzamiento lleno de buena música.
Clásicos como el Cow Cow Blues, Jump Little Jitterbug, Chimes Blues o Atlanta Rag se encuentran en el interior de esta maravilla musical.

Totalmente recomendable para los amantes del ragtime en toda su esencia y para los historiadores y estudiosos de este estilo. Lo oyentes estándar de blues, probablemente obtengan una saturación de instrumentales de sonido añejo con el que tendrán que hacer un esfuerzo auditivo y para el resto... ¿quién sabe?...

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Cow Cow Davenport: The Essential

Link del Día

2007-09-29T20:09:00.000+01:00

Poco tiene que ver este sitio con la temática de este blog pero de vez en cuando me veo obligado a "vender" espacio en él para que no se me haga tan dura la supervivencia.

Closeouts es un sito web en el que se pueden adquirir artículos en liquidación, overstock de diverso género, copias de artículos de marca, y demás restos de serie.

Realmente no se si interesará a algún lector de este blog (¿quién sabe?), pero el caso es que aquí está, el Link del Día.

Closeouts

Edward Taylor: Lookin´ For Trouble

2007-09-25T18:17:00.001+01:00

Paradójica historia la que rodea al disco comentado en esta ocasión: hijo que rinde tributo al padre; padre poco reconocido en vida y largamente alabado tras su muerte; antiguos compañeros del padre colaborando con el hijo; distintos miembros familiares trabajando en el álbum… "Lookin´ For Trouble: A tribute to Eddie Taylor".

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Edward Taylor Jr. nació el 27 de Marzo de 1972 en Chicago, Illinois siendo el sexto hijo de la descendencia de Vera Taylor y el legendario Eddie Taylor. Comenzó a tocar la guitarra a los trece años de edad y curiosamente fue de manera autodidacta, a pesar de vivir en la cuna moderna del blues y de ser hijo de quien era. Probablemente, la escasez de tiempo de su padre hizo que nuestro protagonista tuviese que conformarse con aprender a tocar escuchando sólamente las grabaciones de éste. Cuando tenía 16 años empezó a tocar en algunos clubs de Chicago y tras el paso del tiempo ha logrado trabajar con artistas de la talla de Eddie Shaw o Hubert Sumlin. Su gran influencia y referencia musical directa fue su padre Eddie Taylor, Jimmy Reed, Muddy Waters y Johnny B. Moore.
Actualmente continúa trabajando en diferentes night clubs de Chicago y alrededores.

Lookin´ For Trouble es un CD editado por el sello Wolf en el año 1997. El repertorio consta de 11 temas de diferente composición: Jimmy Reed, Robert Johnson, Slim Harpo, algunos del homenajeado Eddie Taylor y otros del propio Edward Taylor Jr.
Los músicos que acompañan a Taylor son tres miembros de la banda original de Eddie Taylor en los años 80 –Johnny B. Moore, Willie Kent y Tim Taylor (hermano del propio Edward Taylor Jr.) –, Eddie Shaw al saxofón, Martin Lane con la armónica, Ken Barker al piano y dos componentes anecdóticos: otro hermano de Edward, Larry Taylor tocando la batería en un tema y la madre de ellos (Vera Taylor) poniendo su voz en otro corte.
"Bad Boy", "Ain´t Gona Cry", "Dust My Broom" o "I´m Gonna Miss You" son algunos de los títulos incluidos en el álbum.

Lookin´ For Trouble es un cd claramente definido en cuanto a estilo: inconfundiblemente hecho en Chicago, sonando a Chicago y lo que es más importante, recordando al Chicago actual y al de hace 20 o 30 años. La labor de Edward Taylor Jr. con la guitarra y la voz es más que notable; la banda que le acompaña es de lujo y el resultado final es francamente aceptable.

Mi opinión particular acerca de este Cd es buena, aunque reconozco que el factor “tributo-anécdota familiar” pesa lo suficiente. Edward Taylor Jr. rinde un digno homenaje a su padre pero analizando el trabajo de manera objetiva, no pasa de ser “otro disco más” del blues de Chicago, aportando bien poco al trillado panorama del blues de esta ciudad.

Empedernidos amantes de este tipo de blues disfrutarán con su audición así como amantes de la buena música, pero los estudiosos del blues no encontrarán nada nuevo aquí (como en casi ningún sitio). A estos los remito evidentemente a la obra original del homenajeado Eddie Taylor y dejar este anecdótico y paradójico trabajo en alguna estantería.

Harmonica and Washboard Blues 1937-1940

2007-09-20T22:11:00.000+01:00

Este es uno de esos discos que se consiguen por poco dinero pero cuya calidad es diametralmente opuesta a su precio. Con una portada dibujada y un título sin ton ni son, el trabajo alberga en su interior una exquisita muestra de dos espléndidos artistas de blues, Washboard Sam y Jazz Gillum.

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Robert Brown, más conocido como Washboard Sam, nació en Walnut Bridge (Arkansas) el 15 de Julio de 1910; hijo ilegítimo de Frank Broonzy y por lo tanto hermanastro del gran Big Bill Broonzy. A corta edad se trasladó a Memphis donde comenzó a actuar como músico callejero en compañía de Sleepy John Estes y Hammie Nixon. En 1932 estando ya en Chicago, continúa tocando en las calles en busca de una propina, pero pronto comienza a actuar regularmente con Bill Broonzy llegando a convertirse en su acompañante oficial durante las grabaciones de éste para el sello Bluebird. Su éxito le lleva a conocer y colaborar con diferentes artistas como Memphis Slim, Willie Lacey o Bukka White y a ser uno de los músicos más reconocidos del panorama bluesero de Chicago durante los años 30 y 40.
Tras la Segunda Guerra Mundial, y la llegada del blues eléctrico, Sam se ve obligado a retirarse de la escena debido a la obvia incapacidad de adaptar su instrumento a éste nuevo estilo. No obstante y persuadido por Willie Dixon y Memphis Slim, existió un breve intento de volver a los escenarios haciendo apariciones durante el blues revival de los años 60.
Murió el 6 de Noviembre de 1966.

William McKinley (Jazz Gillum) nació en Indianola, Mississippi el 11 de Septiembre de 1904. Autodidacta con la armónica, huyó de su casa a la corta edad de 7 años estableciéndose en Charlestone, Mississippi y dedicándose a tocar en las calles malviviendo de las propinas. En 1932 se traslada a Chicago donde conoce entre otros músicos a Big Bill Broonzy y Washboard Sam. Con Broonzy actúa en diversos locales y clubs de la zona durante algunos años, hasta que realiza su primera grabación para el sello Bluebird bajo la producción del famoso Lester Melrose. Ahí empezó una carrera exitosa actuando como sideman (acompañante) de distintos artistas de renombre hasta el definitivo cierre del sello en cuestión a finales de los años 40.
Permaneció casi inactivo durante las décadas posteriores hasta su muerte en 1966 producida por un disparo.

Harmonica and Washboard Blues 1937-1940, es un CD que pertenece a la colección Black&Blue editado en 1991. Consta de 24 temas cuya principal característica es la aparición de Washboard Sam y Gillum, aunque no siempre lo hacen juntos. El armonicista Gillum aparece en 12 cortes; su voz particular y el sonido extremadamente agudo de su armónica es acompañada en todos los temas por Big Bill con la guitarra además de otros artistas menos conocidos. Entre los temas seleccionados se encuentran “Key to the Highway”, “She Belongs to Me” o “I´m Gonna Get It”.
En cuanto a Washboard Sam, está presente en 14 de los cortes del CD. Su grave y melodiosa voz se superpone a su magistral acompañamiento con el washboard y al del resto de los músicos, entre los cuales está, evidentemente, Big Bill Broonzy. Temas como “She Fooled Me”, “This Time is My Time” o “Mountain Blues” son algunos de los incluidos en el disco.

Harmonica and Washboard Blues 1937-1940 es un álbum, altamente recomendable como muestra musical de estos dos artistas y también como ejemplo del blues hecho a finales de los años 30, precursor de los combos eléctricos que estarían por llegar en décadas venideras. Podría haber sido perfectamente un disco de Big Bill Broonzy por su constante presencia en los temas incluidos, pero el protagonismo vocal de Gillum y Sam le quitan ese privilegio.

Muy buena adquisición como recopilatorio de blues con excelente relación calidad precio; buen sonido con excelente filtrado de los 78 originales, animado, entretenido y de extrema calidad musical.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Harmonica and Washboard Blues

Robert Lockwood Jr.: The Complete Trix Recordings

2007-09-17T18:33:00.000+01:00

Robert Lockwood Jr. Nació en Turkey Scratch, Helena, Arkansas en el año 1915. Allí creció mientras oía los discos de Patton, Blake o Lemon Jefferson y siempre rodeado de una atmósfera musical permanente, en gran medida debido a que fue uno de los pocos (si es que hay alguien más) que aprendió a tocar la guitarra con el mismísimo Robert Johnson.

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El mítico artista convivió durante algún tiempo con la madre de Lockwood y fue por ese entonces cuando nuestro hombre recibió las enseñanzas e influencias de Johnson. A pesar de este hecho, Lockwood siempre ha reconocido que Robert Johnson era bastante reacio a compartir conocimientos musicales y recelaba mucho a la hora de transmitirlos.

Cuando tenía 15 años, Lockwood hizo su debut musical acompañando al genial armonicista Rice Miller (Sonny Boy Williamson II) y allá por el año 1939 comenzó a tocar la guitarra eléctrica. Pese a que colaboró con Howlin´ Wolf y Sonny Boy o grabar para el sello Bluebird o Chess, su carrera musical siempre ha estado alejada de los grandes éxitos o del panorama comercial, y se ha basado en la búsqueda de su propio estilo y en la permanente huída de ser tachado como el "hijastro de Robert Johnson". Su fuerte y ruda personalidad y su continua lucha por alejase de las masas y de ser el legado viviente de la música de Johnson, ha hecho que su carrera musical haya permanecido en un plano bastante oscuro.

Murió el 21 de Noviembre de 2006.

The Complete Trix Recordings es un doble CD editado por el sello 32blues (1999) en el que se incluyen las grabaciones de Lockwood para el sello Trix durante los años 70. Consta de 35 temas grabados en 1973 y 1975 y cuya principal característica es la diversidad sonora. Lockwood es un músico que posee un estilo musical un tanto “ecléctico” y difícil de encasillar; su espectro musical va desde el country-blues acústico hasta temas de clara influencia jazzera, pasando por el swing más vigoroso o el blues eléctrico más común. El repertorio está basado en temas de propia composición (la mayoría) y cuatro o cinco guiños a Robert Johnson (Dust My Broom, Walking Blues, Terraplane Blues o Little Queen of Spades).

Lockwood se hace acompañar de Gene Schwartz con el bajo, George Cook y Jimmy Jones a la batería, Mark Hahn con la guitarra y el saxofonista Maurice Reedus que ejerce un papel más que notable. Estas sesiones para el sello Trix conforman un disco variado y entretenido que difícilmente aburrirá, pero que bajo mi punto de vista no pasará a la historia de las grandes obras del blues; la dignidad con que está hecho es de agradecer, máxime teniendo en cuenta los tiempos que corren en el mundo del Blues.

El trabajo describe una línea musical oscilante con continuas subidas y bajadas de principio a fin; queriendo despuntar por momentos pero sin llegar a grandes genialidades o a interpretaciones de notable calidad. Como ya comenté, la seriedad y la dignidad son el dato más importante del álbum.
The Complete Trix Recordings es una obra que puede satisfacer a casi todo el mundo pero que sólo asombrará a unos pocos.
Musicalmente recomendable pero no imprescindible.

http://www.robertlockwood.com/

Cómpralo Aquí/Buy It Here: The Complete Trix Recordings

¡¡¡Gracias!!!

2007-09-13T10:48:00.000+01:00

Broke, Black & Blue: An Anthology of Blues Classics and Rarities

2007-09-11T12:49:00.000+01:00

Llegó el momento de comentar uno de los mejores recopilatorios de blues que ha llegado a mis manos. Fue una de tantas compras hechas a ciegas, solamente guiado por las escasas pero fiables referencias encontradas tras una ardua búsqueda de información en Internet.

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Broke, Black & Blue es una excelente conjunción de temas de barrelhouse, boogie, vaudeville y delta blues reunidos en cuatro CDs cronológicamente ordenados y que además incluye un libreto de 40 páginas repleto de exhaustivos datos y múltiples fotos.

Editado por el sello Proper, Broke, Black & Blue está dividido en cuatro partes: el volumen 1, titulado “Up Country Blues”, incluye temas grabados entre 1924 y 1928; grandes estrellas como Frank Stokes o Tommy Johnson aparecen junto a semi-desconocidos como Emery Glen o Johnnie Head. También merecen una mención artistas de la talla de Luke Jordan, Barbecue Bob, Sippie Wallace o Ishman Bracey.

El segundo volumen, “Broke and Hungry Blues”, comienza con un tema de Rube Lacy datado en 1928 y continúa hasta 1930; en este recorrido nos encontramos con Henry Townsend, Peg Leg Howell, Joe Callicot, Son House o Lonnie Johnson además de otros artistas no tan conocidos formando un completo y maravilloso repertorio.

El volumen 3, “Good Whiskey Blues”, es una buena muestra del blues de la década de los 30: Blind Willie Reynolds, Carr & Blackwell, Big Joe Williams, Blind Boy Fuller, Jazz Gillum o Tommy McClennan; clásicos como “The Twelves (dirty dozens)” de Kokomo Arnold o “Back Door Blues” de Casey Bill Weldon se codean con temas menos conocidos como “Never Mind Blues” (Georgia Boyd) o “Prisioners Blues” (George Clarke).

Por último, el cuarto CD titulado “Jumpin´ at the Club Blue Fame”, recoge temas de los años 40. Es en este volumen donde se incluye temas inéditos de Johnny Temple, la banda de Jimmie Gordon o Lee Brown. Bukka White, Big Maceo o Memphis Slim son algunos de los que completan el exquisito reparto.

Broke, Black & Blue es una auténtica gema discográfica; multitud de rarezas solamente editadas en los viejos 78´s son sólo la guinda para uno de los mejores y más completos repertorios que he podido encontrar en un variado de blues. La información del libreto aporta la nota teórica y los datos necesarios para que el conjunto se convierta en una de mis más preciadas posesiones discográficas.

Esta cronología de rarezas y auténticos clásicos es absolutamente imprescindible para mí y probablemente para los estudiosos y amantes del country-blues. Para el resto de los mortales, este post y el set de 4 CDs aquí comentado es una nube difusa de nombres desconocidos, temas con un sonido horrible, voces de ultratumba e instrumentos desafinados…

Cuestión de gustos.

Cómpralo aquí / Buy It Here: Broke, Black and Blue

Avalon Blues: A tribute to the music of Mississippi John Hurt

2007-09-05T19:27:00.000+01:00

Nunca he sido amigo de los álbumes "tributo", ya que generalmente están repletos de versiones absurdas e intentos a medio gas de emular al artista tributado. Suelen estar poblados de músicos conocidos pero venidos a menos, intentando demostrar que tienen algo que ver con el artista en cuestión.

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Avalon Blues es uno de los pocos CD de tributo a que forma parte de mi colección; lo adquirí en un momento de mi vida en el que estaba totalmente inmerso en el estudio de la música de Mississippi John Hurt y cualquier cosa que llevara su nombre o apuntase en su dirección era un buen objetivo. La primera sorpresa que me llevé, fue que al consultar el listado de músicos incluidos en el trabajo, apenas conocía a unos pocos; en principio era una buena señal, ya que hubiese sido nefasto para mis expectativas encontrarme a Eric Clapton o al ínclito Santana, por citar algunos...

Avalon Blues es un disco de llamativa portada y curioso contenido editado por el prestigioso sello Vanguard en el año 2001. Incluye 15 temas bastante populares del repertorio de John Hurt interpretados por artistas como Taj Mahal, Ben Harper, Geoff Muldaur, Beck o Bill Morrisey.

En general es un álbum de buen nivel aunque con algunas pegas; debido a mi tendencia musical conservadora ya conocida por los lectores de este blog, soy incapaz de aprobar algunas versiones incluidas en el CD por alejarse de la esencia original de la música de Hurt, pero haciendo un esfuerzo por objetivizar la crítica, logro encontrar cierto atractivo en algunos de estos temas. La inclusión de instrumentos aparte de la guitarra y la voz (únicos presentes en la obra de John Hurt) es lo que me causa más desagrado pero reconozco la buena intención y el curioso resultado final de los temas.

Chris Smither hace una genial versión de Frankie & Albert al igual que Lucinda Williams en Angels Laid Him Away; agradable trabajo el de Muldaur realizado con el corte Chicken y sorprendente la versión del tema Stagolee realizada por Beck, seria y alejada de su habitual y lamentable estilo (todavía no me lo creo...).
Como colofón, el espectacular trabajo de John Hiatt en I´m Satisfied y el de Ben Harper (otra sorpresita) en Sliding Delta, mostrando que sabe hacer cosas respetables al margen de su más que discutible legado musical...

En resumen, Avalon Blues es un CD eminentemente acústico que aunque se aleja un tanto del sonido original de Hurt, consigue en muchos de los temas recoger el significado y contenido musical del artista. Trabajo aceptable que rinde un digno tributo a uno de los grandes del género pero aportando poco más, como es lógico.
Recomendable para los amantes de la música tranquila, de voces suaves y exentas de sobresaltos e instrumentación excesiva; para los seguidores del country-blues es sólo una curiosidad carente de interés y para los consumidores de blues-rock o blues eléctrico en general, perderán el tiempo con este CD.

Cómpralo Aquí/Buy It Here: Avalon Blues: A Tribute to the Music of Mississippi John Hurt

Link del Día

2007-09-02T23:39:00.000+01:00

Este post es un experimento y se sale de la línea habitual del blog.

En esta web he encontrado algo que quizás interese a alguno, aunque tal vez sea un poco caro:

Fotos autografiadas por B.B. King

Contrato firmado por Bille Holiday

No se si habrá otros artículos que puedan interesar a los lectores de este blog pero por curiosidad merece la pena echar un vistazo, sobre todo por los precios!...

Music Autographs
Signed music memorabilia
Autographed music photos

Salud!

Bill Jackson: Long Steel Rail

2007-08-28T18:23:00.000+01:00

El álbum que comento en esta ocasión pertenece a un bluesmen desconocido para la gran parte del público, quizás porque este disco es su único legado musical o también porque a pesar de haber sido descubierto durante el Blues-Folk Revival de los 50 y 60, nunca formó parte del circuito de festivales de Folk y demás actuaciones en clubs del momento.

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Bill Jackson nació en Granite, Maryland el 22 de Febrero de 1906. Tuvo cuatro hermanos más pero él fue el único interesado en la música. Cuando contaba con 15 años se sintió atraído por la guitarra gracias a Jim Fuller, vecino suyo y gran guitarrista de la región. Después de 6 meses de rudimentarias lecciones con Fuller, Jackson comenzó a tocar en fiestas particulares y bailes sociales en la zona. A menudo se juntaba con otros músicos en pequeños combos de guitarra, banjo, mandolina y violín tocando reels y jigs.
Después de varios años trabajando para el ferrocarril de Baltimore y Ohio, se trasladó a Philadelphia, Pennsylvania estableciéndose allí definitivamente con su mujer y su hermana. Trabajó durante más de tres décadas en la construcción, como chofer y como bedel.
A principios de los años 60, el productor y estudioso del folklore americano Peter J. Welding localizó a Jackson tras muchos esfuerzos y concertó una cita con él; deseaba grabar una sesión que recogiera su música y su estilo. Tras varias conversaciones y unos meses de ensayo, Bill Jackson recuperó su técnica y habilidades con la guitarra grabando su único trabajo editado: Long Steel Rail.

Long Steel Rail es un álbum grabado en 1962 para el sello Testament en el que se recogían 13 temas de esa sesión de Bill Jackson. En la edición en CD aquí comentada, se incluyen 5 cortes más y fue editada en el año 1994 por el mismo sello. Este trabajo es la única muestra de la obra de un bluesman tradicional nacido en el estado de Maryland.
Todos los temas son interpretados con una guitarra acústica de 12 cuerdas (Stella) siendo el único acompañamiento para la voz del artista. La música es eminentemente blues de la costa Este, al más puro estilo de los bluesmen de las Carolinas y Georgia, auque con unos toques algo más folk o canciones más propias de un songster tipo Mance Lipscomb. Bill Jackson posee una voz muy melódica y de registro algo grave pero agradable; el uso que hace de ella es maravilloso, expresando de manera genial el lamento del blues y la habilidad de contar mientras canta…
La afinación estándar está presente en todos los temas aunque el uso del capo hace que varíe la sonoridad a menudo. Su técnica con la guitarra es excelente, limpia y con el peculiar tono de la guitarra de 12 cuerdas cuando se toca sin púa.

Long Steel Rail es un álbum exquisito, lleno de temas acústicos suaves y de bella ejecución. La sonoridad recuerda sin ninguna duda a los grandes songsters de la historia del blues y a las canciones más sincopadas y lentas del Piedmont Blues. Deliciosa sesión de grabación efectuada por Bill J. en la que queda patente no sólo su calidad como bluesman y songster, sino como la única muestra de este estilo musical en el estado de Maryland.

Absolutamente recomendable para los seguidores del Piedmont Blues; no tanto para los oyentes estándar de blues y en absoluto para los consumidores acérrimos del blues eléctrico salvo deseo de ahondar un poco más en las raíces del Blues.

Cómpralo Aquí / Buy It Here: Long Steel Rail

Raggin´ The Blues: The Essential Recordings of East Coast Blues

2007-08-22T18:16:00.000+01:00

Una y otra vez aparecen en este blog álbumes pertenecientes al Piedmont Blues. Los lectores habituales se habrán dado cuenta ya de mi especial predilección hacia este tipo de blues de características específicas y que se desarrolló en una zona también muy concreta.

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La supremacía del blues del Mississippi, de Chicago o el de Texas en términos comerciales y de aceptación, ha hecho que el Piedmont quede relegado a un injusto segundo plano; digo injusto porque el Piedmont Blues es, en mi humilde opinión y técnicamente hablando, muy superior a las otras vertientes del blues, por lo menos en lo que a la guitarra se refiere. Tal vez por su austeridad de instrumentación, por lo concreto de la geografía donde se desarrolló o por su extrema dificultad de ejecución (lo que ha provocado la escasez de representantes actuales de este estilo) ha hecho que el blues de la Costa Este como también se denomina, sea un completo desconocido incluso para los seguidores “estándar” de blues.

El disco hoy comentado se titula Raggin´ The Blues, y es un magnífico recopilatorio que sirve como ejemplo del buen hacer de guitarristas casi desconocidos como William Moore o Willie Walker así como de estrellas consagradas como Gary Davis o Josh White.

Publicado en el año 1996 por el sello Indigo Records (Trojan) consta de 24 temas de diversa factura:
Julius Daniels hace aparición con una excelente versión del “Crow Jane” grabado en 1927; Blind Blake nos deleita con el suave pero demoledor “You Gonna Quit Me Baby” (1927); la excelente aportación de Luke Jordan, Josh White y del gran William Moore incluye tres cortes de cada uno; los temas “Brownie Blues” y “Unknown Blues” de Tarter & Gay y la joya “Every Day In The Week Blues” de Pink Anderson & Simmie Dooley aportan el toque de exclusividad al disco; Carl Martin, Gary Davis y Brownie McGhee cierran el elenco exclusivo de artistas seleccionados.

Raggin´ The Blues es sin duda uno de los mejores recopilatorios que existen de blues de la Costa Este; totalmente recomendable y casi de obligada adquisición o audición para el buen seguidor del blues. También es útil como primer acercamiento (a modo de comprensión) al Piedmont Blues, estilo que permanece en la penumbra y cuya riqueza está para muchos aún por descubrir.

Cómpralo aquí/Buy It Here: Raggin' the Blues: Essential East Coast Blues

Tampa Red: The Guitar Wizard

2007-08-17T18:03:00.000+01:00

Tampa Red es uno de los bluesmen más importantes que ha existido llegando a ser la primera estrella del blues de Chicago; estuvo presente en multitud de grabaciones de otros artistas y su carrera en solitario fue más que prolífica. Es considerado también una de las figuras más influyentes del blues, teniendo impacto en músicos como Muddy Waters o Robert Nighthawk.

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Nació en Smithville (Georgia) en 1904 con el nombre de Hudson Woodbridge (o Whittaker) pero pronto se movió a Tampa (Florida); de esta ciudad obtuvo una parte de su sobrenombre; la otra viene de su característico pelo rojo. En los años 20 se trasladó como otros muchos a Chicago, donde comenzó su carrera siendo contratado como músico de alquiler para artistas de la talla de Ma Rainey. Durante las giras que realizó con ella, conoció a Thomas Dorsey (Georgia Tom) con el que empezó a grabar en 1928 su famoso “It´s Tight Like This” y otros temas de similares características. Con su estilo de ritmo bailable y letras “picantes” (Hokum Blues) logró grabar casi 90 cortes bajo el nombre de “Hokum Boys” o “Tampa Red´s Hokum Jug Band” y se convirtió en una auténtica estrella.

Tampa Red fue algo más que un cantante de Hokum, expandiendo el concepto del dúo guitarra-piano gracias a sus acompañamientos dinámicos. Su trabajo con pianistas como Big Maceo Merriweather o Johnnie Jones sentaron las bases de lo que pronto se convertiría en el sonido del blues de Chicago de la mano de Muddy Waters o Elmore James. Grabó temas de orientación pop o r&b y su carrera se alargó durante 30 años.
Fue redescubierto a finales de los años 50 como parte del ”blues revival” logrando grabar su última obra en 1960.
Murio en Chicago en 1981.

Su técnica con la guitarra era espléndida y su manejo del slide era impresionante. El carácter melódico que lograba imprimir a sus "riffs" era el acompañamiento perfecto para su aguda y nasal voz. Utilizó durante gran parte de su carrera una guitarra resonadora que le daba un sonido especial y característico a su música (una National Tricone, de la que se comenta que era dorada. Nunca se ha podido recuperar…). Sus acordes de acompañamiento eran métricos y totalmente controlados, llenos de limpieza sonora y responsables de la solidez de sus composiciones.

The Guitar Wizard es un álbum editado por el sello Blues Classics en el año 1994. En el se compilan 17 temas que van desde el ya nombrado “It´s Tight Like That”, instrumentales como el “Things ´bout comin´ my way” o magníficos blues como el “Turpentine Blues”. Es una muestra espléndida de la obra de Tampa Red y un ejemplar musical digno de detenida audición y posterior análisis. Los guitarristas ávidos de aprender “riffs” de slide, aquí encontrarán un filón inagotable de frases con el tubo metálico y los oyentes de blues acústico quedarán totalmente satisfechos con la selección de temas incluidos en este CD.

En posteriores artículos hablaré de otra joya que forma parte de mi colección: las grabaciones de Tampa Red para el sello Bluebird; excelente ejemplo musical en el que encontramos a un Tampa mucho más “alegre” y en el que se puede oír composiciones de aire más pop pero no exentas de calidad.

Cómpralo aquí/Buy It Here: "The Guitar Wizard"

Casey Bill Weldon: The Essential

2007-08-10T18:07:00.000+01:00

Casey Bill Weldon, otro de los nombres relativamente conocidos del pre-war blues pero a la vez uno de los grandes misterios del blues de esta época. Muchas son las incógnitas acerca de este guitarrista y sólo sus grabaciones son el único hecho indudable.
Según todos los datos nació en Pine Bluff, Arkansas y su apodo “Casey” pudo ser debido a la transformación de las siglas “K.C.” haciendo referencia a Kansas City, ciudad de gran importancia en su vida.

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Su matrimonio con Memphis Minnie es otro hecho ampliamente aceptado quedando como constancia de ello solamente las múltiples colaboraciones musicales entre ambos. Weldon desarrolló su carrera principalmente durante los años 20 (en algunos “medicine shows”) y los 30. Grabó numerosos cortes para los sellos Victor, Vocalion y Bluebird, especialmente en el 35, 36 y 37 colaborando con innumerables artistas de la talla de Tampa Red, Washboard Sam, Pettie Wheatstraw, Big Bill Broonzy, Charlie McCoy, Bumble Bee Slim y la propia Memphis Minnie.
Tras su última sesión de grabación en la Navidad de 1938, Casey desapareció sin dejar rastro. Algunos datos sugieren que se trasladó a California donde trabajó en la realización de diversas bandas sonoras para películas; otros indican que estuvo viviendo en Detroit en los años 60…
Una vez más nos encontramos con otro misterio sin resolver en el mundo del blues.

El estilo guitarrístico de Weldon es único y totalmente reconocible; tocaba el instrumento en el estilo “hawaiian lap” consiguiendo un sonido exclusivo. Probablemente adquirió esa técnica de primera mano observando a los músicos hawaianos que actuaban por toda América durante los años 20 y 30 en circuitos de vaudeville itinerantes. Tanto es así que fue conocido comercialmente como el “Hawaiian guitar wizard”.

The Essential es un doble CD editado por el sello Document en el año 2002; en él se incluyen 36 temas extraídos de las diversas épocas de la carrera de Bill Weldon. Cortes de sus primeras grabaciones a finales de los 20, otros con los “Washboard Rythm Kings” (Tampa Red y Washboard Sam), el famoso “Can´t you remember” con Big Bill Broonzy o sus temas más “swing” como el “Back Door Blues” o “Red Hot Blues” son una buena muestra de la obra del artista.

Álbum totalmente recomendable para los que deseen tener una muestra bastante significativa del legado de Weldon así como interesante para los curiosos que deseen adentrarse un poco en el pre-war blues.

Cómpralo aquí/Buy it Here: Casey Bill Weldon: The Essential

¡Gracias!

2007-08-09T14:34:00.000+01:00

Rory Block: When a woman gets the blues

2007-08-03T18:21:00.000+01:00

Sin duda Rory Block es una de las grandes blueswoman del panorama actual y probablemente de toda la historia. Esta afirmación la hago sin saber muy bien la razón; quizás sea por la escasez de mujeres que practican este estilo o tal vez por la larga y fructífera carrera musical de Block. Su destreza con la guitarra y su espléndida voz es lo que queda fuera de toda cuestionabilidad.

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Hasta aquí muchos estarán de acuerdo conmigo, pero tras oír varios de sus trabajos me he vuelto a plantear la grandeza de Rory en el ámbito musical y más concretamente en el bluesero; la mayoría de sus discos los encuentro mediocres y llenos de temas insulsos que intentando llegar a ser pseudoblues, sólo llegan a baladas-pop sin gracia alguna; las instrumentaciones excesivas y los arreglos musicales rebuscados maquillan el pobre resultado final. Esta es mi impresión general de su obra discográfica, pero como en toda regla hay siempre una excepción, merece la pena comentar el único trabajo que creo tiene la suficiente calidad como para aparecer en este blog.

When a woman gets the blues está editado en 1995 por el sello Rounder. En el disco se puede encontrar a la Rory que un día fue y que probablemente sigue siendo, sino se empeñase incomprensiblemente en alejarse de la exquisita línea de la sobriedad tan presente aquí. El repertorio consta de 14 temas acústicos compuestos por artistas de la talla de Son House, Charlie Patton, Skip James o Blind Willie McTell; el tratamiento que Rory hace de estos temas es interesante ya que respetando los patrones y cánones del country-blues, pone su impronta personal con la voz y una ejecución con la guitarra de mucha calidad. Prácticamente todos los temas son interpretados con voz y guitarra exceptuando “On the Wall”, en el que además se hace acompañar por el pianista Warren Bernhardt y “Railroadin´ Some” donde la fenomenal armonicista Annie Raines pone el toque de calidad.
La demostrada calidad de Rory Block como guitarrista y su estupenda voz son suficientes para conseguir un resultado óptimo y satisfactorio. Sigo sin entender por qué el resto de su obra está llena de elementos musicales perniciosos que la convierten en algo vacío y carente de interés.

When a woman gets the blues es un álbum puro, sin aditivos, lleno de alma, de olor a madera y campo… Sin llegar a ser genial, es muy recomendable para los seguidores del blues acústico y la única prueba que he encontrado de que Rory Block es una grande del blues.

Web oficial

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Still alive & well...

2007-07-29T16:45:00.000+01:00

Frank Stokes: The Best of Frank Stokes

2007-07-03T18:29:00.000+01:00

Pese a ser una de las figuras más importantes del blues de Memphis, Frank Stokes sigue siendo un gran desconocido para la mayoría de los oyentes de blues, aunque realmente esto sucede con casi todos los intérpretes que desarrollaron su carrera antes de los años 40...Sólo es un capítulo más acerca del desconocimiento de las raíces del blues.

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Stokes nación en White Haven (Tennesse en 1887. Sus padres murieron durante su infancia y fue ingresado en un orfanato. Durante esos años Memphis ya era una gran ciudad con un importante comercio de algodón lo que favorecía el tránsito de gente por sus calles. Stokes estuvo tocando en ellas junto a muchos músicos venidos de distintas partes del país a deleitar a las audiencias blancas y negras. Combinó trabajos esporádicos con su función de músico callejero durante toda su niñez y pubertad hasta que allá por los años 20 se unió con un guitarrista del Mississippi llamado Dan Sane. Esta unión duró más de 20 años... También compartió escena y sesiones de grabación con el violinista Will Bates dando lugar a una pareja de guitarra y violín extremadamente curiosa. Grabó diversos temas con el sello Victor y Paramount y murió en 1955 en Tennessee.

La música tradicional de lugar, el ragtime, los bailes y temas religiosos además de las canciones de los "minstrel shows" y de los "barrelhouses" fueron las principales influencias del blues de Memphis. Un estilo relajado y suave sin la particular disonancia de los estilos rítmicos de Texas o el Mississippi profundo. Este álbum es una de las mejores muestras del repertorio de Frank Stokes. Editado por el sello Yazoo consta de 22 temas en los cuales se puede diferenciar bien las etapas del artista. Su estilo era claro y limpio así como suave y acompasado aunque "chocaba" con su fuerte manera de pulsar las cuerdas altas de la guitarra. Su voz también era algo ronca pero de una gran melodiosidad.

Evidentemente el sonido de la colección es el de la época a pesar de los múltiples filtrados de los 78´s originales pero esto no debe ser un impedimento para acercarse a la obra de este espléndido guitarrista y cantante. Trabajo altamente recomendado (junto con el Creator of Memphis Blues para conocer el trabajo de otro pilar indiscutible en los orígenes del blues, esta vez en la zona de Memphis donde tantos artistas alcanzaron la fama en décadas posteriores.

Santa Blues de Tenerife 2007 (Día V)...y último...

2007-07-01T10:59:00.000+01:00

El último día del festival llegó. Los destinados a clausurarlo fueron el grupo local Big Band AM y como fin de fiesta el gran (en todos los sentidos) Popa Chubby.
La big band era muy numerosa y como es lógico con una amplia sección de metales. Su actuación fue muy buena, con grandes arreglos y buen sonido. La cantante local Esther Ovejero colaboró en algunos temas con una gran intervención sin lograr que bajase el nivel.

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En general fue un grato concierto con la única y demasiado frecuente pega de que hubo poco blues. De hecho es prácticamente imposible que una big band haga blues, o por lo menos lo que yo considero como tal. Recurrieron a estándar de jazz y soul con aires blueseros y realmente hicieron lo que pudieron por ajustar el repertorio al festival, pero evidentemente este no era su sitio. Actuarán en el próximo Jazz & mas de Tenerife, encajando mucho mejor ahí, seguro.

El descanso pasó y Popa Chubby llegó. Vino mucho más enorme física y técnicamente de lo que esperaba; ataviado con un enorme peto vaquero y su Strato dorada desarrolló todo su torrente interpretativo en el escenario. Con formación de trío, su actuación fue impresionante y dotada de una fuerza asombrosa. Sus solos de guitarra fueron potentes, rápidos y bien ejecutados, y su voz en directo es mucho más grata de lo que imaginé, lástima que cantó poco. El repertorio estuvo a caballo entre clásicos de Hendrix, temas propios y constantes guiños a los magistrales Led Zeppellin. El público cautivado se dejó llevar por la actuación y arropó muy bien a los artistas con aplausos y vítores.
En general fue un concierto muy entretenido y de mi gusto, pero una vez más la misma pega: poco blues y mucho rock.

Como conclusión objetiva del festival decir que en líneas generales fue un éxito: buen sonido, puntualidad, buena afluencia de público y gratis, factor determinante.

Mi conclusión particular no es tan positiva. Al margen de los detalles anteriores creo que habría que hacer alguna apreciación más: La selección de bandas se alejó mucho del objeto del festival, el Blues, y aunque se recurrió a grandes nombres del estilo como Buddy Guy, Zora Young o el propio Popa Chubby, hubo de todo menos blues.

Esto me hace plantearme varias cuestiones:
-¿Existen actualmente bandas de Blues?. (Nótese las mayúsculas).
-¿Los organizadores de los festivales conocen el Blues?. (Nótese las mayúsculas).
-¿El público estaría preparado para un festival de Blues?. (Nótese las mayúsculas).

Y las últimas y más importantes para mí:
-¿Está el Blues en decadencia?.
-¿El Blues ha muerto o simplemente ha mutado?.
-¿Estoy siendo demasiado conservador y anclado a un estilo a punto de desaparecer?.

Blind Willie McTell: 1927-1933 "The Early Years"

2007-06-29T18:20:00.000+01:00

No creo que haya existido un bluesman comparable a McTell en lo que a estilo, educación y formación se refiere. Su inconfundible tesitura vocal, el sonido de su guitarra de doce cuerdas y sus desarrolladas habilidades impropias para un joven negro y ciego en la época en la que vivió así lo demuestran; era capaz de enhebrar una aguja, leía braile con soltura, poseía "mapas mentales" del centro de Atlanta o Statesboro y casi siempre se movía y viajaba solo, sin usar lazarillo.

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McTell nació en 1898 (o 1901 según algunas fuentes) en el sur de Thomson, Georgia. Tras la separación de sus padres siendo todavía un niño, se asentó con su madre en Statesboro. Fue a diferentes escuelas para ciegos donde aprendió a leer braile e incluso recibió formación musical. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de diez años debido a la influencia e inspiración de su madre, de la que se decía que dominaba el instrumento. Viajó actuando con distintos "shows" (medicinales, carnavales, variedades) durante su juventud y una vez que se casó en 1934 continuó viajando en solitario y tocando para los pasajeros de trenes en vagones, estaciones, recepciones de hotel, en tiendas para atraer a clientes, fiestas, teatros y casi en cualquier sitio que en el que se reuniese gente. Debía obtener buenos salarios y grandes propinas ya que siempre iba elegantemente vestido y tenía una vida confortable. Obtuvo además un trabajo "fijo" tocando en un restaurante de Atlanta (el "Pig ´n´ Whistle") donde atendía peticiones musicales de la blanca clientela. Viajó por todo el sur del país así como New York y California y en treinta años de carrera grabó más de ciento veinte títulos rivalizando con grandes estrellas de la época como Leroy Carr, Tampa Red o Big Broonzy. También tuvo como compañero de sesiones a Curley Weaver con el que grabó por ejemplo el Pig 'n Whistle Red . A partir de 1940 se centró más en sus trabajos fijos en el "Pig ´n´ Whistle" y fue recortando sus grandes periplos por la geografía americana. Fue alrededor de 1950 cuando su salud se vio deteriorada por sobrepeso, alta presión sanguínea y diabetes. Al no cambiar sus hábitos alimenticios ni dejar de beber, sufrió diversos ataques al corazón muriendo en 1959 en Georgia.

En este disco se recogen sus primeras grabaciones (1927-1933) en las que se descubre a un McTell fresco e innovador. Editado por el sello Yazoo recoge 14 temas de belleza y ejecución perfectas. "Broke Down Engine", "Georgia Rag" o la tanta veces versionada "Statesboro Blues" son algunos ejemplos. McTell usaba indistintamente afinación estándar o abierta ("spanish" y "vestapol" o "sebastopol") en su trabajo con el slide, siendo éste de una originalidad extrema al ser realizado en su guitarra de 12 cuerdas. Distintos ritmos y aires se concentran en este CD pero todos bien reconocibles por la única y exclusiva impronta de Willie McTell, un guitarrista excelente, una voz única y una vida no menos exclusiva. Disco no solo recomendado sino de obligada adquisición (o audición) para entender el blues de raíces, el de preguerra, el "post-war", el eléctrico y el más contemporáneo.

Magistral.

Santa Blues de Tenerife 2007 (Día IV)

2007-06-25T13:13:00.000+01:00

Cuarta jornada del festival en una noche fría y con amenaza de lluvia. Los teloneros eran una consolidada banda local llamada Mahoney Soul Band, una formación de varios componentes con sección de viento incluida, que basan su repertorio en clásicos comerciales del soul pero no por ello exentos de calidad.

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Su actuación fue buena, con gran soltura y demostrando que tenían bien aprendida la lección. Los dos cantantes que se acoplaban muy bien en el escenario, la banda que creaba una base rítmica de peso junto a la interesante sección de metales, conformaron una actuación entretenida y vistosa. La única pega, por poner alguna y no precisamente por culpa de la propia banda, es que hubo poco blues, pero esto ya es una norma en los festivales de este estilo…

El intervalo de tiempo que pasó hasta que salió a escena Albert Cummings fue corto, cosa que agradecí. Se presentó con su habitual formación de trío y desde la primera nota dejaron bien claro por donde iban a ir los tiros.
Bajo mi punto de vista cuajó una actuación brillante y en ocasiones demoledora. Su blues-rock al más puro Stevie Ray hizo las delicias del público (yo incluido) y aunque los quince primeros minutos de la actuación hubo algunos problemas de ecualización de su guitarra y su voz estaba algo descompensada en volumen con respecto al resto, el trío dejó absolutamente todo en el escenario.
Sin grandes escenificaciones ni muchos silencios entre tema y tema, Cummings transmitió una imagen de “grande del blues-rock”; seguro en el escenario, voz perfectamente entonada y una entrega absoluta. Salvando las distancias, su actuación se debió parecer mucho a las del malogrado Ray Vaughan, ya que su estilo es prácticamente calcado de éste. A destacar la versión del Voodoo Chile, completa y magistral, no como el patético intento que ya narré en el primer día del festival.
Salí totalmente satisfecho del concierto y repitiendo una y otra vez las palabras “por fin…” y no precisamente porque tuviese ganas de que acabase…

Pink Anderson: Carolina Blues Man

2007-06-18T18:49:00.000+01:00

Por fin ha llegado el turno para uno de los más grandes e influyentes artistas del Piedmont Blues: Pink Anderson.
Nació en Laurens (Carolina del Sur) el 12 de Febrero de 1900 pero creció en Spartanburg, una pequeña ciudad de ese estado americano. Empezó a trabajar desde muy joven en un “medicine show”, concretamente en el del doctor Kerr (Compañía de Remedios Indios) que lo llevó de gira desde que tenía 14 años hasta 1945, fecha en que Kerr se retiró del negocio. Anderson desempeñaba la función de “amenizador” del show contando chistes o bromas y cantando de cuando en cuando.

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En 1916 conoció a Simmie Dooley, un cantante ciego mucho más viejo que él. Actuaron juntos durante algún tiempo en pequeños pueblos de los alrededores de Spartanburg, ya que los shows itinerantes generalmente no contaban con artistas ciegos. La pareja solía practicar sus canciones en los bosques colindantes a su ciudad compartiendo botellas de whiskey de maíz para “ayudar” a sus gargantas. Fue en la compañía de S. Dooley cuando Anderson grabó su primera sesión; fueron dos cortes para el sello Columbia a finales de los años 20 en Atlanta. Tras el relativo éxito, este sello intentó que Pink grabase de nuevo, pero esta vez sin la compañía de Simmie; Anderson rechazó la oferta.
En los años 50, formó un trío (washboard, armónica y guitarra) con el que estuvo activo hasta que sufrió un ataque al corazón en 1957 y decidió retirarse y actuar de vez en cuando para los amigos y enseñar a tocar a su hijo.
Murió en 1974.

Carolina Blues Man fue grabado en Spartanburg en 1961, y actualmente es editado por el sello Prestige/Bluesville. Se recogen 11 temas de innegable calidad; diez de ellos pertenecen a la edición original en vinilo y esta edición en CD incluye un “bonus track” editado originalmente en un álbum que se llamó “Bawdy Blues”.
Pink Anderson es el intérprete de las canciones y sólo se acompaña de su guitarra. La temas seleccionados son de carácter tradicional o popular y alguno de firma reconocida como el “Baby, please don´t go” de Joe Williams o el “Meet me in the Bottom" de Brownie McGhee. Es un álbum enteramente acústico en el que el artista pone a disposición del oyente todo su buen hacer en el campo del blues.

Carolina Blues Man es un trabajo que puede servir de ejemplo del blues hecho en Carolina (y por extensión de la zona Piedmont) y a su vez es una buena muestra para los interesados en acercarse a la obra de Anderson; lo que es indiscutible es que para los entusiastas y seguidores serios del blues, no sólo es de obligada audición sino que no deben olvidar los otros 2 volúmenes (I, II) del mismo artista editados en el mismo sello.

Una delicia.

Santa Blues de Tenerife 2007 (Día III)

2007-06-17T13:35:00.000+01:00

Llegó la tercera jornada del festival, otro día llamado a ser “grande”: viernes y la actuación estelar de Zora Young. Hay que recordar que todas las actuaciones del festival son gratuitas con lo que el lleno del recinto está garantizado; efectivamente así ocurrió con esta tercera jornada. El grupo que abrió la actuación fue La Iguana Blues Band una formación que gira en torno al guitarrista canadiense Dave O’Connor.

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El estilo que desarrollan, está básicamente encuadrado entre el blues-rock y el moderno blues de Texas. Tocando en formación de cuarteto (guitarra, bajo, batería y teclado) lograron cuajar una actuación bastante destacable. Con una soltura y desparpajo admirable, la banda ofreció un repertorio de temas propios y clásicos del Texas-Blues al más puro Stevie Ray Vaughan. El grupo actuó como una unidad logrando un sonido bastante “empastado” y de gran riqueza. Los solos de guitarra de Dave O’Connor estuvieron más que a la altura completando una actuación de muy ato nivel.

Llegó el descaso y tras los perritos calientes de rigor comenzaron a sonar en la plaza los primeros acordes de la banda de Zora Young. La formación era un quinteto de gran calibre y con un exquisito sonido como grupo. Zora hizo valer sus “tablas” en el escenario usando la clásica treta de meterse al público en el bolsillo con sus dos palabras en castellano (cosa que por otro lado agradezco) y con muestras de afecto lanzando besos y abrazos por doquier. Hizo sonar su magnífica voz de una manera notoria muy bien arropada por la banda, con la única (y muy importante) pega del repertorio (una vez más…): poco blues y mucho pop-soul. Ni los intentos del guitarrista (con excesivos y sobrantes “tappings”) ni el buen sonido general de la banda salvaron la actuación que no pasó de un aprobado raspado. La “guinda” la puso el “I Feel Good” del ínclito James Brown, muy utilizada para continuar con esa comunión público-artista que se había creado; pero cuando tocaron el “Sex-Machine” también de Brown ya me pareció el colmo.
Probablemente debí ser el único que se sintió decepcionado e incluso insultado, o por lo menos con sensación de que me faltaban al respeto como oyente.

Como conclusión destacar que esta edición del festival se está perfilando como la “de los teloneros”, por el buen papel que éstos han desempeñado o por la pobre sensación que las supuestas “estrellas” han dejado en mi (¿errónea?) percepción.

Santa Blues de Tenerife 2007 (Día II)

2007-06-16T20:33:00.000+01:00

Tras el chasco del primer día (sobre el que no voy a ahondar más), asistí a esta segunda jornada sin ningún tipo de expectativas; había quedado con unos colegas y más bien tenía pensado ponerme al final de la plaza a charlar y oír música de fondo. Otra razón de ir sin expectativas previas es que no conocía de nada las formaciones que iban a actuar. Este era un día de transición (jueves) y que serviría de previo al concierto de hoy viernes de Zora Young.

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Las bandas encargadas de amenizar la noche eran "BluesNews Band" y la formación de "Ykay Ledezma", músico venezolano afincado en Tenerife y del que nunca había oído hablar. Los grupos subieron al escenario por este orden.

Desde la primera nota del primer tema de la BluesNews me quedé gratamente sorprendido y al instante presté atención. El magnetismo y el carisma de la cantante Claudia me invadió...Y su voz me pareció de las más fascinantes que he oído en mucho tiempo. El trabajo del alma mater del grupo, el guitarrista Guillermo Pelosi, fue serio y describiendo una trayectoria claramente ascendente desde el principio hasta el final de la actuación. El resto de la banda cumplió su función a las mil maravillas.
Para mi sorpresa, los temas cantados en español (es una banda Uruguaya) no me desagradaron nada en absoluto, más bien al contrario...
En resumen, fue una actuación deliciosa y de un gran nivel...y sin duda alguna merecedora de haber abierto el festival el primer día de concierto.

La segunda banda estaba compuesta por un compendio de músicos de la isla y algunos de Venezuela...
El repertorio fue LAMENTABLE, y me dio la impresión de que fueron añadidos al festival con calzador...Pop-Soul rancio al estilo George Benson en su peor época y Michael Bolton en cualquiera de las suyas...

De Blues...nada de nada...pero nada, nada,nada

Una lástima que en la tercera edición de este festival ya haya adulteraciones de este calibre...PENOSO.

Salud!

Santa Blues de Tenerife 2007 (Día I)

2007-06-15T20:47:00.000+01:00

Me dirigí al concierto de Buddy Guy conduciendo mi coche y oyendo el doble CD de las grabaciones completas que realizó para el sello Chess.

El momento iba a ser único y probablemente irrepetible, de manera que quise tener “fresco” en mi cerebro la mejor época de este músico para poder hacer una valoración lo más objetiva posible al acabar el espectáculo.

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Llegué a la hora exacta en la que empezaron a tocar los teloneros. Era una formación de músicos locales comandada por uno de los mejores guitarristas de la isla y amigo mío: Eliseo Lloreda. Realmente me sorprendió su inclusión en el Festival de Blues y mucho más que fuese telonero de Buddy Guy, no porque dudase de su calidad, altamente contrastada, sino porque básicamente siempre ha sido un músico de Jazz en el panorama isleño…Presagié lo peor…

El repertorio fue una muestra de funky-jazz al mejor estilo Medesky-Martin-Woods-Scofield, con una calidad realmente buena pero totalmente fuera de lo que yo considero debe ser un festival de Blues. Una vez más, los festivales se adulteraban con muestras musicales alejadas del eje principal del mismo. Realmente el grupo sonó bien, que conste, pero hubiese estado más apropiado para el festival de Jazz que habrá dentro de un mes…Paradójicamente, éste se suele adulterar con soul, flamenco y otras variantes alejadas del propio Jazz…En fin.

Por fin llegó el descanso y tras una cena rápida en un restaurante cercano al evento (he de recordar que el concierto fue al aire libre), Buddy Guy estaba en escena. De entrada me sorprendió lo bien conservado que estaba, al menos aparentemente. Se presentó con una formación clásica: teclista, baterista, bajista y segundo guitarrista y el concierto comenzó de una manera arrolladora, como debe ser. Su voz se conservaba afinada y entonada y en ocasiones me recordó al Buddy Guy de la Chess. El sonido de la banda era bueno, con la única excepción de la estridencia de la Stratocaster de Buddy (blanca con topos negros). Según mi parecer, Guy siempre ha abusado de la saturación del sonido de su guitarra y con el paso de los años aún más. Cuando era joven esto tenía un resultado efectista ya que su precisión al improvisar era muy buena pero anoche se notaba la extrema ”suciedad” del sonido, sin duda debido a las continuas imprecisiones que por otro lado, parecía no importarle a nadie, y a Buddy Guy menos…

El concierto describió una línea claramente descendente y después de pasar por el clásico “Mustang Sally” y algún que otro tema de M. Waters aceptablemente interpretado, comenzaron los desvaríos más propios de un circo que de un concierto. Repitió su consabido show de tocar entre el público (con su inalámbrico a cuestas), las típicas palmadas de la gente y los habituales intercambios de “yeah”, “wow” y otras onomatopeyas entre el músico y el respetable (que para mí nunca lo es tanto). La banda mantuvo la compostura en todo momento, dándole a Guy el soporte adecuado para sus cabriolas y memeces (tocar con los dientes, con un palo, etc…).

Tras tocar el penúltimo tema se apagaron las luces y la gente (como es normal) pidió el bis entre gritos y aplausos. Salieron a escena otra vez en interpretaron un tema que en realidad fueron varios pero a la mitad…como una especie de popurrí pero sin querer, incluyendo un malogrado intento del Voodo-Chile. Buddy optó finalmente por abandonar el instrumento y dedicarse al bochornoso espectáculo de repartir púas y pins a la audiencia, como el granjero que reparte maíz a las gallinas. Se retiraron del escenario entre ovaciones y gritos. Todo un éxito.

De camino a casa iba feliz porque oía otra vez el CD de la Chess con aquellos temas que me hicieron conocer a un gran artista que se llamaba Buddy Guy, que me enseñó muchísimo y que se labró un nombre entre los ilustres del Blues.

¿Lo mejor del concierto?: Que fue gratis yque en unos días lo habré olvidado para mi bien...

Salud!

Bumble Bee Slim: Baby So Long

2007-06-12T19:31:00.000+01:00

Bumble Bee Slim (su verdadero nombre era Amos Easton) nació en Brunswick, Georgia en 1905. Él y sus cinco hermanos perdieron a su padre quedando desamparados junto a su madre aunque ésta se casó cuatro años después (cuando Slim tenía 8). Ya por esta época nuestro protagonista se dio cuenta de que tenía que buscarse la vida por sí mismo ante la imposibilidad de subsistir en una familia tan numerosa y de escasos recursos y decidió que quería ser barbero. Pasó varios años ayudando en una barbería local a la vez que aprendió a tocar la guitarra y a componer sus propios temas.

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Cuando tenía veinte años escasos se casó pero su matrimonio duró poco y tras su separación tomó la decisión de hacer algo con el material musical que había creado y que había aprendido en todos estos años. Se dirigió a Cincinnati donde tenía una amistad que lo pondría en contacto con los incipientes artistas Leroy Carr y su guitarrista Scrapper Blackwell. Tras conocerlos en persona, Bumble Bee estuvo muy cerca de ellos durante mucho tiempo adoptando un rol de observador y aprendiendo mucho de Leroy Carr, artista que ejerció una influencia notable en su estilo.
Al tiempo, decidió emprender su carrera musical y labrarse su propio destino. Estuvo con el Circo de los hermanos Ringling tocando en sus actuaciones por diversas partes del país y durante los años de la depresión llegó a Chicago. Sin conocerse muy bien el método (probablemente fue haciendo una prueba) logró grabar una sesión para el sello Paramount en 1931 incluyendo seis temas. Entre ellos se encontraba “Honney Bee Blues”, del que se especula que tomó su sobrenombre. Este tema fue en sí mismo una respuesta al hit de Memphis Minnie en 1930 “Bumble Bee Blues”…

El sello Paramount cerró al poco tiempo y Bumble Bee fichó por Vocalion tras una audición. Allí grabó algunos temas como “Greasy Greens” (1932) y el celebérrimo “M & O Blues”. Sus lanzamientos fueron un éxito y durante los cinco años siguientes logró grabar 184 cortes acompañándose de músicos de la talla de Bill Gaither,Casey Bill Weldon o Georgia Tom Dorsey. A finales de 1937 Bumble comienza a desilusionarse con su carrera musical ante la imposibilidad de crecer musicalmente. Esto fue debido a que constantemente pedía nuevos acompañamientos para sus temas pero el éxito del momento de los dúos piano-guitarra lo forzaban a usar esta formación de la que comenzó a cansarse.
Decidió trasladarse a California y comenzar de nuevo dedicándose a la fotografía pero no tuvo éxito. Logró grabar un álbum para el sello Speciality en 1951 y once años más tarde grabó con jazzmen de la costa Oeste como Teddy Edwards, Less McCann, Richard Groove Holmes y Joe Pass.
Amos Easton murió de leucemia en Abril de 1968 dejando un olvidado legado de buen blues.

Baby So Long es un álbum editado por el sello Acrobat en el que se recogen 20 temas que representan el trabajo que realizó durante los años 1931-1937. En estos temas, Slim canta siempre acompañado por diversas formaciones, generalmente dúos de piano guitarra. Se desconoce el nombre de muchos de los músicos pero la presencia de Big Bill Broonzy o de Georgia Tom Dorsey en algunos temas es indiscutible. La voz del artista es de una melodiosidad absoluta y canta los temas de una manera muy sensible. Su rango vocal es amplio, dominando bien tanto las partes agudas como las graves durante sus interpretaciones.

Este trabajo forma parte de mi colección por el mero hecho de tener una muestra de la obra de Amos Easton y en ningún momento es un álbum extraordinario ni algo totalmente fuera de lo común. Con esto quiero decir que pese a que es un buen recopilatorio, no es algo imprescindible para los oyentes comunes de blues; para los “enfermos” como yo es una pieza más de un todo, además de un ejemplo de una de las obras más olvidadas y desconocidas de la historia del blues.

Interesante.